LONNIE MACK - STRIKE LIKE LIGHTNING ( 1985 )

Lonnie Mack es un músico nacido en Indiana en 1941.
Siendo aún un adolescente empezó a tocar profesionalmente por el circuito local. En esa época adquirió la guitarra que sigue tocando hoy en día, la Gibson flying V serial númber 7, que se ha convertido en su inseparable compañera. Mack empezó a hacer sesiones para estudios en Cincinnati y realizó sesiones con leyendas como Hank Ballard, Freddie King o James Brown. En 1963 grabó una versión instrumental del tema de Chuck Berry, "Memphis", que se convirtió en un hit de la época. Tras este éxito grabó montones de singles como "Wham" (que grabó muchos años después el gran Stevie Ray Vaughan, que siempre a nombrado a Lonnie Mack como uno de sus maestros) o "When there's a will there's a way". Tras eso Lonnie siguió tocando y tocando, adquiriendo mayor renombre, realizando incluso el solo en el clásico de los Doors "Roadhouse blues".- Sin embargo, Lonnie Mack empezó a tener serios problemas con los "jefazos" del negocio y de su nueva compañía, y decepcionado se volvió a su Indiana natal, a tocar en los bares, pescar y a llevar una vida tranquila fuera del negocio. Tras cinco años fuera de circulación, grabó con el sello Capitol un par de discos en el que mostraba sus influencias más Country. Un poco más tarde se encontró en New York con un viejo amigo llamado Ed Labunski, con quien formó un estudio de grabación en Pensylvania, y formando una banda de Country-Rock llamada South. Incluso pensaban producir a un guitarrista tejano muy prometedor y por entonces muy desconocido (Stevie Ray Vaughan).- Sin embargo, Labunski murió en un accidente de coche, todos esos planes se evaporaron, y las grabaciones de South no se publicaron hasta 1998.- Tras este mazazo, Mack se trasladó a Canada a tocar en la banda del rockero Ronnie Hawkins, trasladandose posteriormente a Florida y de vuelta a Indiana en 1982 a tocar por los circuitos locales de nuevo.- El resurgimiento de Mack se produjo coincidiendo con la eclosión de Stevie Ray, y a partir de 1983, las colaboraciones entre ambos hicieron que Mack volviera a primera línea con su album en el sello Alligator Records, llamado "Strike like lightning", coproducido entre ambos músicos, y con Stevie tocando en varios temas del disco. Su gira posterior en 1985 fue todo un éxito, y estuvo acompañado de Stevie Ray, Keith Richards y Ron Wood y Ry Cooder, y también con colaboraciones puntuales entre otros de Bob Dylan o Mick Jagger. Posteriormente publicó tambien en el sello Alligator "Second sight" y el directo demoledor "Atack of the killer V". Posteriormente se fué a la multinacional Epic, donde tuvo nuevamente problemas, regresó a Alligator, y actualmente sigue tocando en su tierra natal, ya que desde luego, nunca ha tenido fortuna con el "music business". Pero a pesar de todo, es un guitarrista y músico soberbio; que ha ejercido notable influencia en guitarristas de todo el mundo, y que lo seguirá haciendo, porque es lo que tienen los grandes músicos. Que dejan huella y crean escuela siempre.



Lonnie Mack - Strike Like Lightning (1985)



Tracks Listing

1. Hound Dog Man
2. Satisfy Suzie
3. Stop
4. Long Way from Memphis
5. Double Whammy
6. Strike Like Lightning
7. Falling Back in Love With You
8. If You Have to Know
9. You Ain't Got Me
10. Oreo Cookie Blues

Line up :

Lonnie Mack - Guitar, Guitar (Electric), Producer, Main Performer, Vocals
Bill McIntosh - Guitar, Guitar (Electric)
Gwen Newsome - Vocals
Dennis O'Neal - Drums
Stan Szelest - Keyboards
Stevie Ray Vaughan - Guitar, Producer, Guitar (Electric)
Tim Drummond - Bass
Lisa Gilkyson - Vocals
Karen Kraft - Vocals
Gene Lawson - Drums, Engineer


LONNIE MACK




Lonnie Mack & Stevie Ray Vaughan - Double Whammy (Live)






Lonnie Mack - Stop ( Live )






Lonnie Mack & Stevie Ray Vaughan - Oreo Cookie Blues ( Live )







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LUTHER JAZZ CLUB : MARK MURPHY - STOLEN MOMENTS ( 1978 )

Que tal amigos ! Despues de un dia lluvioso en Buenos Aires no hay mejor manera que terminarlo escuchando buen jazz .En esta oportunidad les traemos a un  crooner  legendario que ha influenciado a decenas de cantantes con su estilo cool  alla por los 60 y que hoy en dia sigue sacando disco tras disco para deleite de todos nosotros : nos referimos al Sr  Mark Murphy  .
Como es costumbre amigos y sin mas palabras ,sus mesas los espera con sus respectivos tragos y cocteles .
Que lo disfruten y buena velada .

    Mark Murphy,  (Fulton. New York, 1932) rompió la tendencia descendiente en el apartado de cantantes masculinos de jazz en los años sesenta. Su voz, de orientación cool, trasluce alguna similitud con Mel  Tormé, aunque con menor maestría.
     Murphy, siempre citó entre sus cantantes favoritos a las sofisticadas cantantes blancas de jazz, Lee Wiley y Peggy Lee. Murphy saltó a la fama con el disco grabado para Riverside en 1961, titulado "Rah!. En ese disco mostró su habilidad para navegar entre deferentes estilos y fueron los arreglos de Ernie Wilkins y la colaboración de los pianistas, Bill Evans y Wynton Kelly, lo que hizo grande aquella grabación. En su siguiente disco en 1962 para el mismo sello: "That's How i Love the Blues" recorrió con el saxofonista tenor, AL Cohn, los diferentes senderos entre el blues y el jazz.

    Pocos cantante  como Mark Murphy, se han acercado con tanto fervor y tanta pasión al jazz como él. Oliver Nelson -y no fue el único gran instrumentista- lo requirió para componer el texto de "Stolen Moments" uno de los grandes éxitos de Oliver. Cuando llegó la década de los setenta y el pop empezaba a reinar en la cultura musical de todo el mundo, Murphy se trasladó a Inglaterra donde permaneció casi un decenio. En 1981 renace para grabar en el selecto sello "Muse" el disco "Bop for Kerouac", dedicado al celebre poeta y novelista y donde intercala sus textos con el vocal de King Pleasure. Otro disco extraordinario donde Murphy demuestra su versatilidad para llegar a ser un intimista crooner blanco es el titulado "Sings the Nat King Cole Songbook" grabado para Muse en 1983.
 Mark Murphy  , ha conseguido a base de esfuerzo y tesón, incrementar su registro de voz con el que puede ir desde el falsetto (con sacudidas a la manera de una trompeta), hasta bajar a un elegante barítono. Su capacidad para trabajar los cambios de acordes a la manera de un instrumentista, le sitúan como uno de los grandes cantantes de jazz de los últimos tiempos.

Fuente


Mark Murphy - Stolen Mome  ( 1978 )


Tracks :

1- We'll Be Together Again
2- Stolen Moments
3- D. C. Farewell
4- Again
5- Don't Be Blue
6- Sly
7- Like a Lover (O Cantador)
8- Farmer's Market
9- Waters


MARK MURPHY



Empty Faces -- Mark Murphy




Mark Murphy Sconsolato




Mark Murphy - Stolen Moments






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FREE - LIVE ( 1970 )

Conocidos principalmente por su legendaria canción All Right Now, el grupo británico Free fue una de las formaciones más interesantes del rock británico de finales de los años 60 y principios de los 70. Sus directos causaron auténtica conmoción en la época, con el protagonismo fundamental de su prodigioso cantante Paul Rodgers y el extraordinario guitarrista Paul Kossoff, desgraciadamente malogrado por las drogas. Pero Free nos dejaron además cinco notables discos de estudio que, a pesar de mostrar un repertorio en ocasiones demasiado ligero para los más rockeros, contiene momentos memorables que merecen una segunda escucha.


El grupo Free se formó en la ciudad de Londres en la primavera de 1968. El cantante Paul Rodgers  había llegado poco antes a la capital británica desde su ciudad natal de Middlesborough con el objetivo de hacerse un hueco en el panorama blues-rock londinense con su banda The Wildflowers, anteriormente conocida como The Roadrunners. Pero pronto la formación de Middlesborough se disolvió y Rodgers se unió a Brown Sugar, y fue entonces cuando tras una de sus portentosas actuaciones en directo fue invitado por el guitarrista Paul Kossoff y el baterista Simon Kirke  a unirse a un nuevo proyecto musical que estaban fraguando. Ambos instrumentistas provenían del grupo de blues Black Cat Bones, con el que habían teloneado nada menos que a los Fleetwood Mac de Peter Green. De hecho, Kossoff llegó a compartir muchas tardes de enseñanzas y conversaciones sobre blues con el legendario guitarrista, del que a buen seguro aprendió a conseguir un precioso tono de su instrumento. La nueva formación que comenzó a ensayar en abril de 1968 se completó con el bajista Andy Fraser , que a pesar de contar con tan sólo quince años ya había tenido el privilegio de tocar con los Bluesbreakers de John Mayall y llegó recomendado por el maestro del blues británico Alexis Corner, que al parecer fue el que les sugirió el nombre de Free. A pesar de su juventud, la banda causó enseguida un enorme impacto en los locales londinenses por sus potentes recreaciones en directo de los clásicos del blues y pronto consiguieron un contrato discográfico con Island Records.
 El grupo se hizo famoso por sus sensacionales conciertos y sus incesantes giras, aunque sus primeros álbumes de estudio tuvieron pocas ventas hasta el lanzamiento de "Fire and Water", el cual incluía su gran éxito "All Right Now". Esta canción les ayudó a asegurar su presencia en el Festival de la Isla de Wight (1970), donde tocaron para 600.000 personas. Como los propios miembros supervivientes de la banda han reconocido, los problemas personales se cruzaron en su camino y les impidieron alcanzar metas mayores, evitando quizás que alcanzaran todo su potencial.
Ante la separación de Free, Island Records editó rápidamente un álbum en directo titulado Free Live!, que engrosaría las arcas de la discográfica desde su salida en septiembre y llegaría al número 4 de las listas británicas. Los temas fueron grabados en dos conciertos celebrados en 1970 en las ciudades locales de Sunderland y Croydon y nos muestran el sonido rockero que hizo de Free uno de los grupos preferidos de la época y a Kossoff uno de los guitarristas más reverenciados. Por desgracia, sólo se incluyen siete temas en vivo (con los favoritos All Right Now, I´m a Mover, Mr.Big y The Hunter entre ellos), con la curiosidad de que para cerrar el álbum se añadió una de las últimas grabaciones de estudio del grupo, la estupenda canción Get Where I Belong.



 Free - Live ( 1971 )


 Tracks :


01. All Right Now
02. I’m A Mover
03. Be My Friend
04. Fire And Water
05. Ride On A Pony
06. Mr. Big
07. The Hunter
08. Get Where I Belong
09. Woman
10. Walk In My Shadow
11. Moonshine
12. Trouble On Double

Bonus Tracks.

13. Mr Big (Sunderland)
14. All Right Now (Croydon)
15. Get Where I Belong (Alternative Take)



FREE LIVE - Parte 1


FREE LIVE - Parte 2




Free - All Right Now ( Live )






Free - Be My Friend ( Live )







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DEBBIE DAVIES - LIVE ( 2005 ) RESUBIDO

Creció en Los Ángeles en la década de 1960, y se encontró con que ser una guitarrista femenina se limitaba a tocar guitarra acústica. Las guitarras eléctricas eran cosa de hombres. Cuando Debbie escuchó los sonidos de las bandas británicas de blues-rock, en especial la guitarra eléctrica de Eric Clapton con los Bluesbreakers de John Mayall, supo que lo suyo era el Blues. Persiguió su sueño con pasión y rompió los moldes de la sociedad de esa época que limitaba a la mujer a determinados roles.
Davies comenzó tocando blues y rock 'n roll en bandas en el área de San Francisco antes de regresar a Los Ángeles en 1984, donde obtuvo el lugar de guitarra lider en Maggie Mayall and the Cadillacs, una banda de mujeres liderada por la esposa del pionero del blues británico John Mayall. En 1988 fue contratada por Albert Collins a unirse a los Icebreakers, y en los tres años siguientes fue una guitarrista de destacado desempeño detrás de uno de los bluesmen más innovadores de todos los tiempos. "Entré por una puerta al blues del mundo real cuando me uní a la banda de Albert," dice Davies. "Una cosa es escuchar los discos o ir a conciertos y una muy distinta es tocar, salir de gira. Esto hizo que el blues se convirtiese en algo totalmente tridimensional para mí. Supe entonces que era una oportunidad única, y lo sé aún más ahora.
Durante su permanencia con Albert, Debbie fue invitada a tocar para el disco de Mayall del año 1990 (A Sense of Place) y en 1991 grabó junto a Albert Collins and the Icebreakers el álbum homónimo, que fue nominado al Grammy.
En el verano de 1991 se convirtió en guitarrista de Fingers Taylor and the Ladyfingers Revue. En septiembre de 1993 debutó como solista con Picture This, con el sello Blind Pig Records. El lanzamiento incluía un cameo de Collins en "I Wonder Why". La gente frecuentemente pregunta si Debbie aprendió su técnica de Collins, y ella señala que tuvo que tocar bien desde el principio para estar a la altura de Albert en cada representación. La experiencia le enseñó cómo ser mejor música, dentro y fuera del escenario.
Desde 1993, Debbie produjo nueve álbumes solo y dos Cd con colaboraciones de Tab Benoit y Kenny Neal en una oportunidad, y con Anson Funderburgh y Otis Grand en la otra. La lista de los músicos que han tocado con ella incluye a: Albert Collins, Ike Turner, James Cotton, Mick Taylor, Peter Green, Coco Montoya, Duke Robillard, Tommy Shannon, Chris “Whipper” Layton, Sugar Ray Norcia, Mudcat Ward, Charlie Musselwhite, Bruce Katz, Per Hanson, Noel Neal, y Rod Carey. Recibió ocho nominaciones a los Blues Music Awards, y en 1997 y 2010 ganó el premio por Mejor Artista Contemporánea Femenina de Blues.


Debbie Davies - Live - 2005



Tracks:

1- Chicago line
2-Leading me home
3-Takin' it all to vegas
4-Can't go on this way
5-Can't live like this no more
6-Just stepped in the blues
7-Mede right in the U.S.A.
8-Don't take advantage of me
9-Blue a lonesome
10-Half caf decal
11-Percolatin



DEBBIE DAVIES




Debbie Davies Live at Peter's Place - I Wonder Why (Blues in D Natural)






Debbie Davies Live at Peter's Place - All I Found







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BICENTENARIO ARGENTINO

Que tal amigos ! Por si alguno no lo sabe ,por estos lares andamos de festejo conmemorando nuestro cumpleaños 200 beneficiados por un largo asueto que terminara el 26 de mayo ,cuando todo vuelva a la normalidad jeje.Por tal motivo los que hacemos este blog nos ausentaremos hasta el miercoles para dedicarnos en exclusiva a esta causa que nos convoca .
Aunque es bueno aclarar que un servidor ... ya arranco desde el sabado con el sarao despues de cerrar el club de Luther  ( NO SE CUMPLEN DOSCIENTOS AÑOS TODOS LOS DIAS ).
Entonces esta breve  entrada sirve de gancho para traerles unos videos del que para nosotros es el artista del bicentenario ,que despues de una larga recuperacion de sus adicciones lo tenemos de vuelta en el ruedo .
Si Calamaro es nuestra "banda sonoro de nuestras vidas" ,Charly Garcia es "nuestro himno nacional " (es mas ,recordar su antologica version de la entonacion patria eriza la piel a mas de uno ).
Un abrazo a todos y nos vemos luego amigos .
Say no more.



Charly García - Cerca de la revolución - El concierto subacuático- Subtitulado





Charly Garcia - Spinetta - Rezo por vos - El Concierto Subacuatico-Subtitulado






Charly Garcia - Demoliendo Hoteles

LUTHER JAZZ CLUB : CARMEN Mc RAE & HER TRIO / MONTREUX 1982 ( LIVE )

Que tal amigos , nuevamente nos dirigimos a otra cita obligada de todos los sabados a la noche en el club  de Luther ,esta ves con una particularidad .
Como consecuencia de la buena aceptacion que tuvo esta entrada ,nos jugamos y les traemos a una diva del jazz como la señora Carmen Mc Rae ,para deleite de propios y extraños .
Y aprovechando el largo asueto que dio la presidenta con motivos del Bicentenario de la patria ,los invitamos a que elijan su mesa ,que los tragos corren por cuenta de la casa .
Disfrutenlo .

  Carmen McRae (1920-1994) nació en el barrio neoyorkino de  Harlem y se crió en el Brooklyn. Empezó  a estudiar piano clásico y en 1939 conoció a la esposa de  Teddy Wilson,  arreglista y compositora de talento que ejerció sobre ella una influencia musical decisiva.
 Irene Wilson  , le consiguió una audiencia con Benny Goodman, que por entonces buscaba una cantante negra, pero no la admitió. Un poco decepcionada por aquel revés, Carmen McRae, se perdió un par de años entre las oficinas de una agencia gubernamental en Washington, pero volvió a Brooklyn donde empezó a trabajar en clubes nocturnos. En 1944 la contrataron en la orquesta de Benny Carter y posteriormente durante un breve periodo de tiempo en las orquestas de Count Basie y Earl Hines. Sin constancia discográfica de aquellos primeros pasos, si es seguro que tenía en Billie Holiday el espejo donde mirarse hasta el punto de que en mas de una ocasión declaró que si "..Lady Day no hubiera existido, probablemente ella tampoco...".
     Su primera aparición en disco, fue en 1946 cuando Mercer Ellington, hijo del Duke, le ofreció un empleo algo mas duradero en su orquesta. Cuando la banda de Mercer Ellington, se disolvió, Carmen volvió a refugiarse en clubes y cabarets de Chicago en donde estuvo tres largos años que aprovechó para intensificar sus estudios de canto. Se casó efímeramente con Kenny Clarke en 1944 y tras un acuerdo amistoso entre ambos se separaron y su exmarido le ayudó a encontrar trabajo en el "Minton's Playhouse" el club fundacional del bebop, pero que a principios de los años cincuenta ya no era tan significativo desde el punto de vista musical. El despegue de Carmen McRae, se produjo en 1954 cuando la revista "Down Beat" la nombró "mejor cantante joven del año" y a continuación firmo un contrato con DECCA. Tuvo la fortuna que Ella Fitzgerald, había recientemente abandonado ese sello para firmar con la Verve, por lo que los productores de DECCA, hicieron una promoción especial de McRae como su sucesora.
     Con DECCA, Carmen McRae, estuvo hasta 1959 y produjo discos muy importantes, destacando el grabado en 1957 titulado "After Glow". Durante los años sesenta, la fama de Carmen alcanzó niveles mundiales. En Japón la recibieron como una gran estrella y sus conciertos en país del Sol Naciente la encumbraron a la veneración, casi. Habitual invitada del Festival de Jazz de Monterey, compartió escenario y dúos vocales con Louis Armstrong en el musical de Dave Brubeck titulado: "The Real Ambassadors" de 1962 grabado para el sello Columbia. Cuando dejó DECCA, grabó en 1970, para el sello Atlantic donde dejó una autentica obra maestra en el disco "The Great American Songbook" grabado en directo en el club "Donte's" de Los Ángeles. Una grabación que dejó particularmente satisfecha a su autora.
     En los ochenta, Carmen cambio de "look" y aparecía con el pelo corto, figura de matrona y con los instintos artísticos en plena forma. En 1983 ofreció un concierto memorable en el club "Blue Note" de New York con un extraordinario homenaje a la figura de su admirada, Billie Holiday que es una cita de referencia inexcusable en el jazz vocal y uno de los grandes homenajes postumos a la gran Billie. Su carrera fue de una gran regularidad hasta poco antes de su muerte y un enfisema pulmonar la retiró de los escenarios para siempre. En 1994 falleció victima de su enfermedad. Carmen McRae, está sin duda subida en el trono de las grandes cantantes de jazz de todos los tiempos.

Fuente : http://www.apoloybaco.com



 Carmen Mc Rae & Her Trio - Montreux 1982


 Tracks :

1- Nice Work If You Can Get It
2- Do Nothing ‘Til You Hear From Me
3- Billie’s Blues
4- Body And Soul
5- Them There Eyes
6- My Funny Valentine
7- No More Blues
8- Everything Happens To Me
9- Upside Down
10- Take Five
11- Besame Mucho
12- New York State Of Mind
13- Don’t Misunderstand
14- Ain’t Misbehavin’.


Personnel :

Carmen McRae - Voz, Piano
Marshall Otwell - Piano
John Leftwich - Bajo
Donald ‘DB’ Bailey - Batería


Carmen McRae and Her Trio
Festival Jazz Montreux 1982
Casino Montreux Suiza
22 de Julio de 1982



CARMEN Mc RAE





Carmen McRae - What Can I Said ( Live )








Carmen McRae - It's Like Reaching for the Moon /I Only Have Eyes for You ( medley )








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HOUND DOG TAYLOR - LIVE AT THE JOE ' S PLACE ( 1972 )

Este post esta dedicado a mi querido y estimado amigo Xibeliuss  ,un ferviente admirador del "hombre de los seis dedos " .Que lo disfrutes my friend  y gracias por tanto y perdon por tan poco ...

El hombre de los seis dedos tenía una sonrisa enorme, blanca y reluciente. Pero sólo sonreía cuando estaba en el escenario, con su guitarra y su slide. El hombre de los seis dedos olía a whisky clandestino, llevaba una 32 en la cintura, vestía camisas estrafalarias para la época, y nunca se sacaba su sombrero bien Chicago. Tocaba los blues con pasión. Rápido como pocos y penetrante como él solo.
El hombre de los seis dedos nunca llegó a ser una estrella y no tuvo éxitos de radio. Durante más de 30 años tocó con su banda en bares de Chicago y en fiestas donde todos lo conocían y él conocía a todos. El hombre de los seis dedos tuvo, tal vez, uno de los primeros power trío de la historia y compuso canciones memorables... pero la fama (aunque más que fama, reconocimiento) le llegó cuando ya había muerto.
Su verdadero nombre era Theodore Roosvelt Taylor, en honor al ex presidente estadounidense Theodore Roosvelt, quien gobernó a principios del siglo XX y ganó un Nobel de la Paz.Pero al hombre de los seis dedos nadie lo llamaba por su nombre: todos le decían Hound Dog.
La ciudad donde nació fue Natchez, en el estado sureño de Mississippi. Pero el año en que su madre dio a luz varía en todas las enciclopedias de blues autorizadas: sostienen que nació entre 1915 y 1917.
Su sexto dedo en la mano izquierda fue una deformación de nacimiento. Algunos insisten en señalar que su mano derecha había sido igual a la izquierda hasta que Hound Dog decidió cortarse el pequeño dedo con una navaja, pero pareciera que esa historia está más cerca de la fantasía.
Hound Dog Taylor tomó su primera guitarra en 1936. Y empezó a tocar los blues que escuchaba en las calles y en los bares. Años después se presentó en el programa radial de Sonny Boy Willamson, King Biscuit Time. En 1942 tuvo que migrar forzosamente al norte, como la mayoría de los negros del sur. Pero en su caso no lo hizo buscando un trabajo mejor para mantener a su familia, sino que tuvo que huir del Mississippi perseguido por el Ku Klux Klan: lo habían 'pescado' teniendo relaciones con una mujer blanca. Y eso para la época era muy grave.
Pero tal vez la fuga fue, involuntariamente, lo mejor que le pasó. En Chicago halló un nuevo panorama musical. Una ciudad en auge, trabajo para muchos y demasiado para hacer de noche. Hound Dog se encontró con un puñado de músico negros que habían emigrado antes que él y ya llevaban un tiempo desarrollando un nuevo estilo de blues: más urbano, bien eléctrico. Entonces, decidió hacer lo mismo: combinar el nuevo estilo de la ciudad con el viejo sentimiento que arrastraba del sur profundo. Así, con el tiempo creó una expresión de música propia llevando al límite la rispidez del blues, en una formación sin bajo: sólo dos guitarras y una batería. Así, nació el genuine house rocking music
Pero antes de eso pasó un buen tiempo. Más precisamente, tres lustros. Entre 1942 y 1957 Hound Dog se las rebuscó como pudo haciendo varios trabajos duros durante el día y tocando por las noches a cambio de unas cuantas copas y unos pocos dólares. Pero poco a poco empezó a copar los antros musicales de la zona sur (el South Side) de Chicago. Junto a su banda, los Houserockers -integrada por el guitarrista Brewer Phillips y el baterista Levi Warren- pudieron editar en 1960 el single Baby Is Coming Home / Take Five para el pequeño y aventurero sello independiente Cadillacs Baby. Luego, en 1962 grabaron dos canciones (Christine / Alley Music) para Carl Jones Firma Records. En 1965 Warren dejó su lugar en la banda a Ted Harvey. El y Hound Dog se habían conocido en 1955 cuando Harvey tocaba en la banda de Elmore James, la principal influencia musical en la vida de Hound Dog.
Con Ted Harvey en la banda empezó lo mejor. En 1967 grabaron para el sello Checker el single Watch out / Down home. Con el tiempo, Hound Dog Taylor & the Houserockers se fue convirtiendo en una de las bandas más poderosas de la ciudad. El Expresway Lounge, un club de la calle 55, estallaba cada vez que ellos salían a desplegar toda su potencia blusera.
La banda atrajo a un productor del poderoso sello Delmark llamado Bruce Iglauer, quien quiso convencer a su jefe, Bob Koester del potencial de Taylor. Pero no hubo caso: Koester estaba más volcado al blues del West Side, el de Magic Sam. Iglauer estaba tan entusiasmado con Hound Dog Taylor que decidió seguir por su cuenta. Invirtió todos su ahorros y creó el sello Alligator con el único fin de grabar el primer disco de los Houserockers. Así, en 1971 y gracias a su magia nació uno de los sellos discográficos más importantes de blues, que con el tiempo incorporaría a luminarias del blues como Johnny Winter, Son Seals, Koko Taylor y Luther Allison. El primer álbum, Hound Dog Taylor and the Houserockers, apareció ese año y fue un verdadero éxito, dejando para la posteridad clásicos como She´s gone, Give me back my wig y Taylor´s rock. Dos años después, en 1973, Alligator Records editó el segundo LP: Natural Boogie, con la potente y arrolladora Sadie y Roll your moneymaker.
En 1975 las cosas se pusieron feas para el hombre de los seis dedos... muchas noches de alcohol y descontrol evidenciaron una vieja rivalidad que tenía con Brewer Phillips. Insultos, gritos y peleas terminaron una noche en disparos. Phillips resultó levemente herido y presentó cargos contra Hound Dog Taylor. Pero nunca llegó a juicio: al poco tiempo fue internado porque el cáncer en sus pulmones estaba muy avanzado. Murió el 17 de diciembre.  Para honrarlo, Alligator Records editó a comienzos de 1976 Beware of the dog, un disco en vivo cautivante, crudo y furioso. En 1982, cuando ya Hound Dog Taylor era una leyenda, Alligator sacó al mercado un disco más: Genuine houserocking music. Durante los noventa los sellos Wolf y JSP editaron cuatro discos más de él, todos en vivo. La influencia de Hound Dog Taylor a los músicos de blues actuales es enorme. Eso quedo reflejado en el compilado tributo editado en 1997 en el que participaron Ronnie Earl, George Thorogood, Gov't Mule, Elvin Bishop y Vernon Reid (de Living Colour), entre otros.
El hombre de los seis dedos tenía un sentido especial para el boogie y una manera única de utilizar el slide. Pero no era un virtuoso: su gran aporte fue convertir en fácil lo difícil

Fuente : http://www.lacasadelblues.com.ar



 Hound Dog Taylor - Live At Joe's Place ( 1972 )


 Tracks :



1. Kitchen Sink Boogie
2. Phillips Crawl
3. Wild About You Baby
4. Kansas City
5. Mama Talk to Your Daughter
6. The Sky Is Crying
7. It Hurts Me Too
8. Dust My Broom
9. Freddy's Blues
10.Take Five
11.Glue Back My Wig


HOUND DOG TAYLOR





Hound Dog Taylor "I held my baby"







Hound Dog Taylor - Taylor´s Rock






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DR. JOHN - LIVE IN BOTTOM LINE N.Y. ( 1978 )

Dr. John (también conocido como Dr. John Creaux) es el nombre de Malcom John Rebennack Jr. (Nueva Orleans, Louisiana, Estados Unidos, 21 de noviembre de 1940), un pianista, cantante  y compositor  estadounidense cuya música se extiende, y a menudo combina, los géneros del blues, del boogie woogie y del rock and roll. Nacido en Nueva Orleans, Louisiana, la carrera musical de Dr. John comenzó en su ciudad natal a comienzos de los años 50. En un principio, se concentró en la guitarra, ofreciendo conciertos con bandas locales bajo el nombre de Mac Rebbennack and the Skyliners, Frankie Ford and the Thunderbirds y Jerry Byrnes and the Loafers. Dr. John obtuvo cierto éxito a nivel local con el tema "Storm Warning", publicado en Rex Records en 1959 e influido por Bo Diddley.
La carrera de Rebennack como guitarrista se truncó cuando su dedo anular fue herido en un disparo mientras defendía al teclista y cantante Ronnie Barron, compañero de grupo y amigo de la escuela. Tras la lesión, Rebennack se concentró en el bajo antes de hacer del piano su instrumento principal. Entre las influencias musicales de Rebennack en el piano se encontraba Professor Longhair.
En 1963, Rebennack se trasladó a Los Ángeles, donde respaldó como músico de sesión a artistas de la talla de Sonny & Cher o Canned Heat.
Rebennack adquirió fama a finales de los años 60 y comienzos de los 70 con música que combinaba el R&B de Nueva Orleans con el rock psicodélico y elaborados conciertos que se acercaban a ceremonias religiosas de vudú, incluyendo elaborados trajes y peinados. Durante la época, Rebennack adquirió el mote de "Dr. John, The Night Tripper", procedente de una médico vudú  de Louisiana de comienzos de 1800.
Gris-Gris, su álbum debut de 1968, combinaba cánticos y ritmos vudús con la tradición musical de Nueva Orleans, y fue situado en el puesto 143 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos en la revista musical Rolling Stone. Otros tres trabajos de estudio, Babylon, Remedies y The Sun, Moon and Herbs, fueron publicados en el mismo sentido de Gris-Gris, si bien ninguno obtuvo la popularidad del primero.

A comienzos de 1969, Dr. John ofreció extensos conciertos, apoyado por músicos como Richard Didymus Washington (congas), Richard Crooks (batería), Dave Johnson (bajo), Gary DeSoto (guitarra) y los cantantes Eleanor Barooshian, Jeanette Jacobs y Sherry Graddie. Una segunda alineación para tocar en la Costa Este de los Estados Unidos incluyó a Doug Hastings a la guitarra y a Don MacAllister a la mandolina.

Con la publicación de The Sun, Moon and Herbs y la participación en el álbum de Eric Clapton y Mick Jagger, Dr. John adquirió una notable reputación. El álbum sirvió para una transición entre el Dr. John psicodélico y un Dr. John más cercano al R&B y al funk de Nueva Orleans. Su siguiente trabajo, Dr. John's Gumbo, acabó derivando en una grabación histórica considerada como uno de sus trabajos más populares.

En 1973, con la producción de Allen Toussaint y el respaldo de The Meters, Dr. John publicó el álbum In the Right Place. En la misma rutina que Dr. John's Gumbo amplió su reputación como músico a la hora de versionar los clásicos de Nueva Orleans, In the Right Place hizo de Dr. John uno de los embajadores del funk de la ciudad. Sobre el álbum, Dr. John escribió: "In the Right Place tiene un mayor sentimiento de dance en comparación con otros que había hecho en el pasado, aunque quedó anclado en el R&B". El álbum alcanzó el puesto 24 en las listas de Billboard, con el sencillo "Right Place Wrong Time" alzándose hasta el puesto 9 de la lista Billboard Hot 100. Un segundo single, "Such a Night", alcanzó el puesto 42.

Dr. John intentó capitalizar el éxito de In the Right Place colaborando nuevamente con Allen Toussaint y The Meters en su nuevo trabajo, Desitively Bonnaroo, publicado en 1974. Similar a In the Right Place, obtuvo un éxito menor en comparación a su predecesor. Desitively Bonnaroo supuso el último álbum de estilo funk hasta la publicación en 1994 de Television, si bien la influencia del vudú y del R&B tradicional de Nueva Orleans, así como el funk, continuó en gran medida apareciendo en sus trabajos, especialmente en sus conciertos.

Dr. John  - Bottom Line' New York, NY (7 November 1978) 

Tracks :

 01. Introduction

02. Swanee River Boogie

03. Dance The Night Away With You

04. Wild Honey

05. Sonata-He's A Hero

06. Street Side

07. Mama Roux

08. Happy Birthday 

09. Fire Of Love

10. Right Place Wrong Time

11. Rain

12. Lets Make A Better World

13. Such A Night 

14. Crowd

15. Iko Iko

Line up :

Dr. John- Lead Vocals, Piano

David Sanborn- Alto Sax

Kim Hutchinson- Alto Sax, Woodwinds

Buzzy Feiten- Lead Guitar

Jim Calhoun- Bass

Neil Larsen- Organ

Hugh McCracken- Guitars

Steve Gadd- Drums

Joyce Kaye- Vocals

Tami Lynn- Vocals

DR. JOHN



Dr John - Such A Night






Dr John - Tipitina








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¡FUERZA GUSTAVO !

En la mañana de ayer y mientras nos recuperabamos del mazazo que significo la perdida de Ronnie James Dio ,nos desayunamos la triste noticia de que el ex Soda Stereo ,Gustavo Cerati  sufrio un desmayo producto de un derrame cerebral  durante una actuacion en Venezuela .
Su estado es critico y permanece en terapia intensiva y en las ultimas horas sera intervenido quirurgicamente .
Desde este lugar auguramos por una pronta mejoria y recuperacion para un artista que nos marco para siempre con sus canciones en la adolesencia ,junto con Zeta y Charly Alberti .
Soda Stereo es uno de los grupos de rock más emblemáticos de Latinoamérica ,se destacó entre mediados de los años 80 y gran parte de los 90. Desde su disolución en 1997, Cerati ha tenido una carrera como solista, con discos como "Amor Amarillo", "Bocanada", "Ahí vamos" y el más reciente, "Fuerza natural".



La Ciudad De La Furia (Vivo) - Soda Stereo





Soda Stereo - Trátame Suavemente






Soda Stereo - De Música Ligera







          AGUANTE  GUSTAVO                                                                            

GEORGE THOROGOOD - 30th ANNIVERSARY TOUR LIVE ( 2004 )

El 24 de febrero de 1950 nació en la ciudad de Wilmington, del estado norteamericano de Delaware el guitarrista blanco George Thorogood. De la vida privada y personal de este músico él no habla nunca, pero si se sabe que le gusta mucho la música, la cerveza, el whisky, las mujeres y el béisbol, de lo que fue jugador semi profesional. Se interesó por el Blues en 1970, cuando a sus veinte años vio a John Paul Hammond grabando en Chicago, tres años más tarde formó 'The Destroyers' en Delaware: Michael Levine al bajo y Jeff Simon a la batería. Otros músicos que le influenciaron: John Lee Hooker, Elmore James, Chuck Berry, Willie Dixon, Muddy Waters y Howlin' Wolf, aunque la música de George no tiene nada que ver con la música de éstos anteriores, es mucho más dinámica, mezclando el Blues con el Rock llevándolo a un plano mucho más atractivo para los oídos. En 1975 hacían pequeñas actuaciones en locales nocturnos, aprovechando para grabar una maqueta, pero ninguna compañía apostó por ellos. En una de esas actuaciones por Boston, John Forwad, a parte de convertirse en su fan número 1, consiguió que ese mismo año grabasen su primer álbum homónimo, "George Thorogood & The Destroyers" pero por diversas razones no lo publicaron hasta 1977. Unos dicen que George no estaba convencido por la foto de portada, o que no le gustaba como había quedado el bajo, así que Levine fue sustituido por Bill Blough. En este disco hace una fantástica versión del tema "One bourdon, one scotch, one beer" el cuál fue incluido en un capítulo de la banda sonora de 'The Simpsons'. Al año siguiente, 1978, graba su segundo disco, "Move it over". En este disco resalto la gran versión que hace del tema de Chuck Berry "It wasn't me"... ¡impresionante!. Con este disco consiguió ya un éxito razonable, entrando en las listas de Estados Unidos entre los cuarenta más escuchados y siendo disco de oro. Sus discos empezaron a también a venderse por Europa. A mi juicio, es el mejor disco de George Thorogood. En el año 1980 introdujo el saxo en su banda, Hank Carter, y después de tantos años sigue con George. Se estrenó grabando el "More". Hasta ese año, el guitarrista hacía pequeñas actuaciones en clubs y pubs, actuando con seudónimo para evitar la masificación. La gira más famosa que hizo se llamó '50/50', esto quería decir que viajaron cincuenta estados en cincuenta días al más puro estilo de Willy Fog. Todas, lleno total. La gran compañía 'EMI' entonces se fijó en él, y grabó uno de los iconos de la música Blues & Rock gracias a la saturación de la cadena musical 'MTV': "Bad to the bone" (1982) además la introdujo en la película escrita por Stephen King "Chistine", con lo que consiguió mayor repercusión. Este tema, pronto se pronunció como uno de los himnos de los 'Ángeles del Infierno' en los Estados Unidos, además del "Born to be Wild" de la Stephen Wolf. El disco fue Oro y pasó un año completo en las listas de venta. En 1985 lanza el disco "Maverick", con las colaboraciones especiales de dos leyendas del Bluses: Albert Collins y Bo Diddley. Posteriormente, grabó el disco "Live" (1986)... gran éxito comercial, y tras éste, se dedicaron The Destroyers a ser más meticulosos en sus trabajos, lanzando un disco de estudio cada dos años, hasta nuestros días. A mi juicio personal, creo que George Thorogood es un gran guitarrista, digno de ser escuchado por todos. Y añado que si este hombre hubiese fallecido tan prematuramente como Hendrix, Lennon, Joplin, Cobain o Mercury, también hubiese sido erigido al Olimpo de los Dioses del Rock, pero tiene un defecto: sigue vivo.



George Thorogood - 30th Anniversary Tour - Live ( 2004 )


 Tracks :


1. Long Gone
2. Who Do You Love
3. Night Time
4. I Drink Alone
5. One Bourbon, One Scotch, One Beer
6. Don’t Let the Bossman Get You Down
7. Sky Is Crying
8. Sweet Little Lady
9. Greedy Man
10. Bad to the Bone
11. Fixer
12. That’s It, I Quit
13. Rockin’ My Life Away

Recorded on May 4, 2004, at the Royal Concert Hall in Nottingham, England


Links  Arreglados  :

PARTE 1


PARTE 2




George Thorogood And The Destroyers - Bad To The Bone
(From "30th Anniversary Tour Live")






George Thorogood And Destroyers - One Bourbon, One Scotch, One Beer
(From "30th Anniversary Tour Live")








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LUTHER JAZZ CLUB : KEVIN MAHOGANY - ANOTHER TIME , ANOTHER PLACE ( 1997 )

Hola amigos ,una ves mas abrimos el club para deleitarnos con los jazz singer que merodearan por las instalaciones todos los sabados ,como es habitual .En esta oportunidad  y recordando que ayer se cumplio un nuevo aniversario de la partida a mejor vida ( y vaya que si la tuvo mientras canto para nosotros ) del gran cantante italonorteamericano Frank Sinatra ,que seguramente pasara por el club en una de estas veladas .
Para esta noche de sabado  les traemos y debemos de aclarar primeramente que gracias al gran aporte de nuestro querido amigo "cule" de la maravillosa pagina  Musica para Gatos , (de la cual no deben dejar de visitarla ,se las recomiendo de verdad) ; nos referimos a Jazzy que gracias a sus habilidades felinescas  nos facilito para que el gran cantante de Kansas City  ,mister KEVIN MAHOGANY   se haga presente para deleitarnos con su musica .Sin mas palabras decir que elijan su trago predilecto que su mesa los espera .

Nacido en Kansas City en 1958, Mahogany empezó tocando el clarinete, para pasar después al piano y, mas tarde, al saxo barítono. Pero no descubrió su verdadero talento, el de cantante, hasta su último año en el instituto. En esta época trabajó con varios grupos de R&B y, a partir de los años ochenta, empezó a interesarse por el jazz, tomando como modelos a Jon Hendricks, Al Jarreau y Eddie Jefferson.
Su primera grabación, ‘Double Rainbow’ (1993), fue un éxito inmediato, con su sabia combinación de blues, improvisaciones be-bop y baladas. Fue seguida por otros tres discos para la discográfica Enja: ‘Songs and Moments’, ‘You Got What It Takes’, y  Cat Dues’. En 1995, Kevin firmó con el sello Warner Brothers, para el que grabó ‘Kevin Mahogany’, ‘Another Time, Another Place’, ‘My Romance’, y ‘Portrait of Kevin Mahogany’. En 2002, Telarc Records publicó ‘Pride and Joy’, un tributo a la música de la era Motown. En 2004, Kevin creó su propio sello discográfico, Mahogany Music, para el que grabó ‘Kevin Mahogany Big Band’ y ‘Johnny Hartman’ (2004).
Mahogany ha participado también en proyectos tan diversos como ‘Kansas City’ (la celebrada película de Robert Altman), ‘Monk On Monk’ (una visión de Thelonious Monk a cargo de su hijo) o ‘Eastwood After Hours’, de Clint Eastwood. También ha participado en docenas de sesiones de grabación como invitado de músicos de la talla de Ray Brown o Elvin Jones.

Dotado de una espléndida voz de barítono, Kevin Mahogany se ha situado en nuestros días como el cantante masculino de Jazz más respetado, por su capacidad de interpretar todo tipo de material, jazz moderno, blues, baladas y clásicos de la era del swing con igual maestría.
Con once discos como líder y siempre reclamado para grandes proyectos cinematográficos como la película ‘Kansas City’, de Robert Altman, Mahogany es un artista fascinante, natural e innovador en el escenario, dotado de una voz suave y profunda. Un vocalista de jazz por excelencia.
Robert Altman lo convencio  para que actue en su pelicula "Kansas City" interpretando el papel de Big Joe Turner  junto a Harry Belafonte  y un prestigioso elenco .


Kevin Mahogany - Another Time Another Place Album ( 1997 )

 Tracks :

1- Big Rub
2- Free
3- Goodbye Pork Pie Hat
4- Cloudburst
5- I Believe She Was Talkin' 'Bout Me - (featuring Randy Travis)
6- Nature Boy
7- In the Wee Small Hours of the Morning
8- Another Time, Another Place
9- Fix It in the Mix
10- Parker's Mood / Kansas City


 Recorded at Sony Music Studios, New York, New York from March 4-6, 1997 and Ocean Way Studios, Los Angeles, California on May 5, 1997.

Personnel: Kevin Mahogany, Randy Travis (vocals); Joe Lovano (tenor saxophone); Cyrus Chestnut (piano); Dave Stryker (guitar); Ben Wolfe (bass); Clarence Penn (drums).



KEVIN MAHOGANY





Kevin Mahogany - Please Send Me Someone To Love






Kevin Mahogany - Since I Fell For You By











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JONI MITCHELL - MINGUS ( 1979 )

"Mingus" fue el décimo álbum grabado en estudio de Joni Mitchell, en colaboración con el
músico de jazz Charles Mingus. Grabado en los meses anteriores a la muerte de Mingus,
sería en definitiva su proyecto musical final.

El álbum es bastante experimental, jazz minimalista, oyéndose zumbidos de guitarras acústicas
e incluso lobos aullando en "El lobo que vive en Lindsey". Todas las letras son de Mitchell,
mientras que la música de cuatro de las canciones fue compuesta por Mingus: tres son temas
nuevos, un cuarto de su homenaje al saxofonista Lester Young de su clásico de 1959 "Mingus
Ah Um" (el tema "Goodbye Pork Pie Hat", para el que Mitchell escribió la letra).
Mitchell contrató a personal del grupo de jazz fusión Weather Report para tocar en las
sesiones. "Mingus" marcó también la primera reunión del saxofonista Wayne Shorter y el
pianista Herbie Hancock en el estudio desde que fueran miembros de la banda de Miles Davis
en 1969 . El Album está empalmado con extractos de grabaciones (Raps) proporcionados por Graham-Sue Mingus,entre ellos un canto en interacción entre Mingus y Joni. Discuten sobre la edad de Mingus
en una fiesta de cumpleaños; en "Funeral" Mingus y otros argumentan cuánto tiempo tendrá
que vivir y cómo será su funeral.

"God Must Be a Boogie Man" fue la única canción que Mingus no pudo oir, ya que se terminó
dos días después de su muerte.
El trabajo de arte presenta varias pinturas hechas por Michell de Mingus.

Joni Mitchell (nacida como Roberta Joan Anderson el 7 de noviembre de 1943, en Alberta)
es una música y pintora canadiense. Comenzó su carrera musical en Toronto y en el oeste
de Canadá, relacionándose posteriormente con la floreciente escena de folk de Nueva York
de mediados de los sesenta. A lo largo de los años 70 amplió sus horizontes musicales,
dirigiendo en especial su interés hacia el pop y el jazz, para convertirse para en una
de las cantantes y compositoras más respetadas de finales del siglo XX. Mitchell es también
una exitosa artista plástica; las portadas de casi todos sus álbumes han sido creadas por
ella misma. Insiste a menudo en que la pintura era su vocación original, autodescribiéndose
como una "pintora descarrilada por las circunstancias".



Joni Mitchell - Mingus (1979)

Tracks :

1. Happy Birthday 1975 (Rap)
2. God Must Be A Boogie Man
3. Funeral (Rap)
4. Chair In The Sky, A
5. Wolf That Lives In Lindsey, The
6. I's A Muggin' (Rap)
7. Sweet Sucker Dance
8. Coin In The Pocket (Rap)
9. Dry Cleaner From Des Moines, The
10. Lucky (Rap)
11. Goodbye Pork Pie Hat


Line up :

Joni Mitchell (guitar, vocals)
Wayne Shorter (soprano saxophone)
Herbie Hancock (electric piano)
Jaco Pastorius (bass, horn arrangement)
Peter Erskine (drums)
Don Alias (congas)
Emil Richards (percussion)


JONI MITCHELL





Joni Mitchell & Jaco Pastorius - The Dry Cleaner from Des Moines - Live








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AL GREEN - LET'S STAY TOGETHER ( 1972 )

Albert Greene nació en la ciudad Forrest City en el estado de Arkansas, Estados Unidos. Su padre era Robert Greene y trabajaba como mediero, su madre se llamaba Cora.  En 1955, el joven Albert se trasladó con su familia a la ciudad de Grand Rapids en el estado de Míchigan.
Greene empezó su carrera musical cuando tenía nueve años de edad, en un cuarteto conocido como Greene Brothers, en compañía de sus hermanos Robert, Walter y William. Sin embargo, su padre lo expulsó de la agrupación musical debido a que Albert escuchaba la música de Jackie Wilson y porque expresó su interés de iniciar una carrera musical.
En 1964, Greene y sus amigos de la secundaria decidieron formar una banda de pop, a la que bautizaron con el nombre de Creations. El grupo estuvo en vigencia tres años y grabaron algunos éxitos musicales bajo la discográfica Zodiac. No obstante, después de un año de la separación del grupo, los miembros se volvieron a juntar, y esta vez se denominaron Al Greene and the Soul Mates, llegando a obtener gran fama con la canción "Back Up Train", la cual alcanzó la posición 41 en la lista de éxitos de 1968. A pesar de la originalidad y vivacidad de este proyecto musical perteneciente al género rhythm and blues, y producido por la discográfica Hot Line, el álbum no logró buenas ventas.
En 1969, Greene inició su carrera como solista en clubes nocturnos y adoptó el nombre artístico de Al Green. En una de sus presentaciones en Midland, tuvo la oportunidad de conocer al trompetista y vicepresidente de la discográfica Hi Records, Willie Mitchell, el cual después de ver la presentación de Green quedó impresionado y lo invitó a Memphis para que realizaran un álbum musical juntos. Mitchell había predicho el éxito de Green, y lo incentivó a que buscara su propio estilo de voz, en una época en la que el joven artista buscaba imitar a sus ídolos musicales que eran Jackie Wilson, Wilson Pickett, James Brown, y Sam Cooke.En 1970, ambos hicieron su primer álbum titulado Green is Blues bajo la producción de la discográfica a la que Mitchell representaba y que era propiedad del productor Joe Coughi. El álbum tuvo un éxito moderado, y Mitchell se encargó de los arreglos musicales, la ingeniería de audio, y la producción. Mediante este proyecto Green demostró al público su poderosa y expresiva voz, y su siguiente disco fue, Al Green Gets Next To You (1970). Este álbum tuvo un éxito masivo, e incluyó cuatro sencillos de oro, en los que se demuestra la evolución de la voz y el mejoramiento de las composiciones realizadas por Green. Desde el principio, Green estableció un patrón de combinación de sencillos originales y versiones de célebres canciones como “Light My Fire”, “How Can You Mend a Broken Heart?” y “For the Good Times”.
No obstante, obtuvo un mayor éxito con el álbum Let’s Stay Together (1972). En la canción del mismo título, Green refinó su voz alcanzando su más alto falsetto, y esta interpretación a su vez logró convertirse en número uno según la lista de conteo de los 100 sencillos más populares de Estados Unidos, conocida como Billboard Hot 100, durante nueve semanas consecutivas. Asimismo, realizó el lanzamiento del álbum I’m Still In Love With You (1972), y un año más tarde presentó el disco Call Me, que alcanzó una alta popularidad en esa época, siendo considerado por algunos críticos como su obra más importante. En 1974, Green publicó el disco de vinilo Al Green Explores Your Mind, el cual contenía la canción "Take Me To the River", la cual fue versionada años después por la banda Talking Heads, en su segundo álbum titulado More Songs About Buildings and Food.

El 18 de octubre de 1974, Mary Woodson, quien era una pareja sentimental de Green, le pidió matrimonio y el rehusó la propuesta, a pesar de que ella ya estaba casada con otro hombre. La mujer al ver que había sido rechazada, se acercó al cantante mientras el se bañaba y le arrojó una olla con sémola hirviendo en su espalda. Inmediatamente, Green fue hospitalizado, con quemaduras de tercer grado en su estomago, dorso y brazos. Posteriormente al acto de violencia, la mujer se encerró en una habitación en la residencia del interprete en Memphis, donde escribió una nota suicida y con un revólver perteneciente a Green se suicidó
Green canalizó este incidente como una señal de Dios. Seguidamente, se ordenó como reverendo del tabernáculo del pentecostalismo (en inglés Full Gospel Tabernacle, en 1976). Sin embargo, continúo grabando música y vio que las ventas de sus discos bajaron, recibiendo críticas variadas de los comentaristas musicales. Luego, compró una iglesia en Memphis, para poder ejercer como pastor debido a la negativa de varios miembros de la iglesia protestante. Consecuentemente, la religión pasó a ser lo más importante de su vida, aunque sin abandonar su afición al canto.
En 1977 grabó el disco The Belle Album el cual fue aclamado por la crítica, sin embargo no recuperó su antigua audiencia masiva. En 1979, Green sufrió una caída del escenario durante una presentación en Cincinnati, por lo que tuvo que pasar 15 días hospitalizado, y percibió este suceso como un nuevo mensaje de Dios. De esta manera, decidió concentrar sus energías en su iglesia y cantando gospel. Después de tres años, apareció junto a Patti Labelle en un musical de Broadway titulado Your Arms Too Short to Box with God.Su primer álbum de gospel fue The Lord Will Make a Way. Desde 1981 a 1989, Green grabó una serie de discos gospel, ganando ocho premios Grammy en esa categoría. El director cinematográfico Robert Mugge, realizó un documental sobre Al Green titulado Gospel According to Green, el cual incluye varias entrevistas sobre su vida e imágenes de su iglesia
Después de pasar varios años exclusivamente interpretando gospel, Green decidió regresar al estilo musical rhythm and blues. Primero, lanzó un dueto con Annie Lennox, titulado "Put A Little Love In You Heart" (1998) y que fue creado para la banda sonora de la película llamada Los fantasmas atacan al jefe, dirigida por el actor Bill Murray. En 1989, el cantante trabajó con el productor musical Arthur Baker, y escribió la exitosa canción "The Message Is Love".
En el año de 1995 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock, y nueve años más tarde en el Salón de la Fama del Gospel. Igualmente, en el 2002, Green recibió un premio grammy por su trayectoria musical llamado Lifetime achievement Award

 Al Green  - Let's Stay Together  ( 1972 )

Tracks :

1- Let's Stay Together
2 - La-La for You
3- So You're Leaving
4- What Is This Feeling?
5- Old Time Lovin'
6- I've Never Found a Girl (Who Loves Me Like You Do)
7- How Can You Mend a Broken Heart?
8- Judy
9- It Ain't No Fun to Me
10- Eli's Game
11-  Listen


AL GREEN




Al Green - Let's Stay Together - Live






Al Green "How can you mend a broken heart" - Live








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inilah pria yang beruntung di dunia

Yu Zhenhuan adalah cowok China yang memiliki bulu di sekujur tubuhnya. Ia dijuluki sebagai manusia yang paling banyak memiliki bulu di dunia. Secara logika, dengan keterbatasannya itu, mungkin ia akan sulit mendapatkan seorang istri. Faktanya, ia memiliki istri yang cantik.

Foto-foto berikut menunjukkan betapa mesranya Yu Zhenhuan bersama istri tercintanya itu.

nah percaya kan kalau dia adalah manuasia paling beruntung di dunia

Makam Mbah dukun meledak

Puluhan warga Desa Sanggrahan, Boyolangu, Kabupaten Tulungagung, hingga Senin (10/5/2010) masih mendatangi makam Mbah Rosiah. Pasalnya, makam perempuan tua yang dikenal sebagai dukun kondang itu meledak, pada Rabu (5/5/2010).

Belum diketahui pasti penyebab meledaknya makam yang terletak di tanah pribadi seluas sekitar 50 x 10 meter tersebut. Adapun Mbah Rosiah dimakamkan di sana setelah meninggal akibat kolesterol tinggi, 1 Juni 2009, dalam usia 67 tahun.

Seorang saksi mata ledakan, Ngadiron (42), menceritakan, sebelum makam Mbah Rosiah meledak, Selasa dini hari, tampak kepulan asap putih di tengah makam. Ngadori mengaku mencium bau harum semerbak seperti kayu cendana.

Melihat fenomena tersebut, Ngadiron dan istri, Siti Mudrikah (38), tidak menghiraukan karena menganggap asap yang keluar dari makam adalah embun biasa. “Hanya saya lihat saja, lalu saya melanjutkan menengok ternak ikan saya yang berada di samping makam,” ungkapnya, Senin kemarin.

Ngadiron melanjutkan, keesokan paginya, Rabu sekitar pukul 07.30, dia kembali menengok kolam ikan miliknya dan melintas lagi di lokasi makam. Kala itu dia masih melihat kepulan asap, tetapi tetap tidak menghiraukan.

Sekitar satu jam kemudian, Ngadiron mendengar ledakan yang menggelegar seperti suara bom. Setelah dicari, ternyata sumber ledakan berasal dari makam Mbah Rosiah.

Akibat ledakan, katanya, makam berantakan. Bangunan bagian atas berserakan, dan pasir yang berada dalam makam juga ikut berhamburan keluar. Hanya dalam waktu beberapa menit kemudian beberapa warga yang tinggal tak jauh dari makam mulai berdatangan. Mereka merasa terkejut dan menduga ada keanehan dalam ledakan itu.

Bukan hanya para warga yang heboh atas meledaknya makam Mbah Rosiah, tetapi juga sang suami, Panudi (58). “Mulai Jumat (7/5/2010), banyak warga datang untuk menyaksikan kondisi makam,” kata Panudi, yang ditemui Surya di makam istrinya, Senin kemarin.

***

PANUDI mengatakan, kedatangan warga untuk menyaksikan langsung kondisi makam Mbah Rosiah karena rasa penasaran yang sangat besar. Pasalnya, semasa hidup, Mbah Rosiah memang terkenal sebagai sosok yang dituakan dan sering mengobati orang sakit karena hal-hal yang aneh.

“Pasien almarhumah banyak, bahkan dari luar kota juga ada. Makanya, kejadian ini membuat mereka kaget dan penasaran,” ungkapnya.

Hal serupa dikatakan Ngadori. Sebagai penduduk asli Desa Sanggrahan, Ngadori mengenal baik sosok Mbah Rosiah. Bahkan dia juga belajar ilmu kejawen dari Mbah Rosiah semasa masih hidup.

“Kalau ada apa-apa di desa ini, warga selalu meminta petunjuk kepada Mbah Rosiah,” katanya.

Menurut Ngadori, selain warga setempat, banyak warga daerah lain sering mendatangi rumah Mbah Rosiah untuk sekadar minta restu atau berobat. Bahkan, setelah Mbah Rosiah meninggal, kadang-kadang ada orang luar kota datang berziarah ke makamnya.

Ditemui terpisah, Kapolsek Boyolangu AKP Suryadi mengaku belum bisa memastikan penyebab ledakan. Namun, dia menduga ledakan tersebut disebabkan uap panas yang berada dalam tanah. Karena tidak mampu menahan uap tersebut, makam pun akhirnya meledak.

“Makamnya kan dikijing (dibangun dengan batu bata) dan pinggirnya dikeramik. Uapnya tidak bisa keluar, akhirnya meledak. Apalagi saat ini cuaca lagi tidak menentu, kadang panas sekali, dan tiba-tiba hujan,” katanya.

Polisi sudah mendatangi lokasi untuk melakukan olah tempat kejadian perkara (TKP). Dari hasil olah TKP, pihaknya tidak menemukan kejanggalan, seperti ada bahan peledak yang sengaja dipasang di lokasi.

“Dugaan sementara ya itu (karena uap panas dalam tanah),” papar Suryadi.
sumbe kompas

Daftar Juara Uber Cup

UBER CUP
Tahun
Juara
Runner-up
Skor
Tempat
1957
Amerika Serikat
Denmark
6-1
Lancashire, Inggris
1960
Amerika Serikat
Denmark
5-2
Lancashire, Inggris
1963
Amerika Serikat
Inggris
4-3
Wilmington, Amerika Serikat
1966
Jepang
Amerika Serikat
5-2
Wellington, Selandia Baru
1969
Jepang
Indonesia
6-1
Tokyo, Jepang
1972
Jepang
Indonesia
6-1
Tokyo, Jepang
1975
Indonesia
Jepang
5-2
Jakarta, Indonesia
1978
Jepang
Indonesia
5-2
Auckland, Selandia Baru
1981
Jepang
Indonesia
6-3
Tokyo, Jepang
1984
China
Inggris
5-0
Kuala Lumpur, Malaysia
1986
China
Indonesia
3-2
Jakarta, Indonesia
1988
China
Korea Selatan
5-0
Kuala Lumpur, Malaysia
1990
China
Korea Selatan
3-2
Nagoya & Tokyo, Jepang
1992
China
Korea Selatan
3-2
Kuala Lumpur, Malaysia
1994
Indonesia
China
3-2
Jakarta, Indonesia
1996
Indonesia
China
4-1
Hongkong
1998
China
Indonesia
4-1
Hongkong, China SAR
2000
China
Denmark
3-0
Kuala Lumpur, Malaysia
2002
China
Korea Selatan
3-1
Guangzhou, China
2004
China
Korea Selatan
3-1
Jakarta, Indonesia
2006
China
Belanda
3-0
Sendai & Tokyo, Jepang
2008
China
Indonesia
3-0
Jakarta, Indonesia
Rekapitulasi Juara Piala Uber

SEPANJANG sejarah Piala Uber yang mulai diselenggarakan pada tahun 1957, hanya empat negara yang pernah menjadi juara. China menobatkan dirinya sebagai negara paling sukses di turnamen bulu tangkis beregu putri ini, karena mereka sudah 11 kali menjadi juara, diikuti Jepang (5 kali), Indonesia (3) dan Amerika Serikat (3).

Kedigdayaan China dalam kejuaraan dua tahunan ini tak terbantahkan. Sejak menggondol trofi ini untuk pertama kalinya pada tahun 1984, "Negeri Tirai Bambu" tersebut hanya satu kali gagal pada tahun 1994, ketika ditaklukkan Indonesia dengan skor 2-3. Selebihnya, merekalah yang menjadi juara, termasuk dua tahun lalu saat Indonesia menjadi tuan rumah.

Secara keseluruhan, ada delapan tim yang pernah mencapai final. Korea Selatan termasuk negara yang cukup banyak tampil di partai puncak, tetapi dari lima kali maju, lima kali pula mereka selalu gagal menjadi juara. Tiga negara lain yang juga pernah menjadi runner-up adalah Denmark (3 kali), Inggris dan Belanda yang hanya satu kali.

Berikut daftar rekapitulasi peraih gelar Piala Uber:
Tim
Juara
Runners-up
China
11 (1984, 1986, 1988, 1990, 1992, 1998, 2000, 2002*, 2004, 2006, 2008)
2 (1994, 1996)
Jepang
5 (1966, 1969*, 1972*, 1978, 1981*)
1 (1975)
Indonesia
3 (1975*, 1994*, 1996)
7 (1969, 1972, 1978, 1981, 1986*, 1998, 2008*)
Amerika Serikat
3 (1957, 1960*, 1963*)
1 (1966)
Korea
-
5 (1988, 1990, 1992, 2002, 2004)
Denmark
-
3 (1957, 1960, 2000)
Inggris
-
1 (1963, 1984)
* : Tuan rumah

Daftar Juara Thomas Cup

THOMAS CUP
Tahun
Juara
Runner-up
Skor
Tempat
1949
Malaya
Denmark
8-1
Preston, Inggris
1952
Malaya
Amerika Serikat
7-2
Singapura
1955
Malaya
Denmark
8-1
Singapura
1958
Indonesia
Malaya
6-3
Singapura
1961
Indonesia
Thailand
6-3
Jakarta, Indonesia
1964
Indonesia
Denmark
5-4
Tokyo, Jepang
1967
Malaysia
Indonesia
6-3
Jakarta, Indonesia
1970
Indonesia
Malaysia
7-2
Kuala Lumpur, Malaysia
1973
Indonesia
Denmark
8-1
Jakarta, Indonesia
1976
Indonesia
Malaysia
9-0
Bangkok, Thailand
1979
Indonesia
Denmark
9-0
Jakarta, Indonesia
1982
China
Indonesia
5-4
London, Inggris
1984
Indonesia
China
3-2
Kuala Lumpur, Malaysia
1986
China
Indonesia
3-2
Jakarta, Indonesia
1988
China
Malaysia
4-1
Kuala Lumpur, Malaysia
1990
China
Malaysia
3-2
Tokyo, Jepang
1992
Malaysia
Indonesia
3-2
Kuala Lumpur, Malaysia
1994
Indonesia
Malaysia
3-0
Jakarta, Indonesia
1996
Indonesia
Denmark
5-0
Hongkong
1998
Indonesia
Malaysia
3-2
Hongkong, China SAR
2000
Indonesia
China
3-0
Kuala Lumpur, Malaysia
2002
Indonesia
Malaysia
3-2
Guangzhou, China
2004
China
Denmark
3-1
Jakarta, Indonesia
2006
China
Denmark
3-0
Sendai & Tokyo, Jepang
2008
China
Korea
3-1
Jakarta, Indonesia
Rekapitulasi Juara Piala Thomas

INDONESIA menjadi tim paling sukses di ajang Piala Thomas karena sejak kejuaraan bulu tangkis beregu putra ini mulai berlangsung tahun 1949, tim "Merah Putih" sudah 13 kali menjadi juara. Terakhir kali, pasukan "Garuda" menggondol trofi bergengsi ini pada tahun 2002. Sayang, setelah itu Indonesia tak pernah lagi membawa pulang gelar tersebut ke Tanah Air.

Selain Indonesia, China dan Malaysia juga menjadi tim yang sukses di kejuaraan dua tahunan ini karena pernah menjadi juara. China, yang dalam tiga perhelatan terakhir selalu menjadi jawara, sudah tujuh kali menggondol trofi ini, disusul Malaysia (termasuk ketika masih memakai nama Malaya) yang meraihnya sebanyak lima kali.

Sepanjang sejarah Piala Thomas, baru Indonesia, China dan Malaysia yang menjadi juara. Negara-negara lain yang juga merupakan raksasa bulu tangkis dunia, seperti Denmark dan Korea Selatan, baru bisa menjadi runner-up. Prestasi cukup membanggakan juga diraih Thailand dan Amerika Serikat, karena sudah pernah mencapai final meskipun harus kandas dan hanya menjadi runner-up.

Berikut daftar rekapitulasi peraih gelar Piala Thomas:
Tim
Juara
Runners-up
Indonesia
13 (1958, 1961*, 1964, 1970, 1973*, 1976, 1979*, 1984, 1994*, 1996, 1998, 2000, 2002)
3 (1967*, 1982, 1986*)
China
7 (1982, 1986, 1988, 1990, 2004, 2006, 2008)
2 (1984, 2000)
Malaysia**
5 (1949, 1952, 1955, 1967, 1992 )
9 (1958, 1970*, 1976, 1988*, 1990, 1992*, 1994, 1998, 2002)
Denmark
-
8 (1949, 1955, 1964, 1973, 1979, 1996, 2004, 2006)
Korea
-
1 (2008)
Thailand
-
1 (1961)
Amerika Serikat
-
1 (1952)
* : Tuan rumah **: Termasuk Malaya