LUTHER JAZZ CLUB : ELIANE ELIAS - DREAMER ( 2004 )

Que tal amigos ! Hoy y como todos los viernes los invitamos a pasar por las instalaciones del club para deleitarlos con muy buena musica .A colacion de que por aqui el invierno nos regalo unos dias agradables en materia de temperaturas nos parecio apropiado traerles la musica de nuestros queridos vecinos y hermanos  brasileros para regocijos de propios y extraños .En esta oportunidad y a pedido expreso de un servidor ...y gracias a la benevolencia de nuestro querido amigo "cule" Jazzy  del blog  MUSICA PARA GATOS  ,que abrio su haren para que esta noche nos acompañe ,la hermosa cantante,pianista y compositora Eliane Elias .
Sin mas que agregar solamente decirles por ultimo que hoy los tragos son exclusivamente cariocas ,la noche lo amerita por eso habra guarana ,cachaza y mucha caipiriña .Que lo disfruten .
Un abrazo a todos

Con doce años ya tocaba obras de Art Tatum y Bill Evans. En 1981 se trasladó a New York persiguiendo una ilusión que pronto se hizo realidad. Allí entró a formar parte del grupo "Steps Ahead", con Eddie Gómez, Peter Erskine, Mike Mainieri y Michael Brecker hasta su debut como solista en 1986.
Natural de Sao Paulo (Brasil), nacida en 1960, Eliane Elías, es una pianista versátil, además de compositora y cantante, capaz de enfrentarse por igual al jazz más ortodoxo, a la música clásica o a la música popular sudamericana. Pero sobre todo es una pianista de jazz en el más estricto sentido de palabra, con una gran facilidad improvisadora y una exquisita técnica, plagadas de un enorme contenido emocional y lírico que brilla de forma extraordinaria cuando incorpora a su repertorio temas brasileños -ya con diecisiete años acompañaba a Toquinho y a Vinicius de Moraes en sus recitales-, piezas de Jobim, Iván Lins o Milton Nascimiento, sinuosas líneas cromáticas por las que se desliza con inteligencia y maestría. Sus discos, "Plays Jobim", "Paulistana", "Fantasía" o "Sings Jobim" para el sello Blue Note, son ejemplos ilustrativos al respecto.
Además de su faceta como profesora de piano en el Lincoln Center de Nueva York, como miembro de la Asociación Internacional de Educadores de Jazz, de entre sus últimos trabajos discográficos y colaboraciones, destacan: sus grabaciones con Toots Thielemans en "Brazil Project" o con Joe Henderson en "Double Rainbow". Un estupendo disco, "Solos & Duets", compartido con Herbie Hancock. Su presencia en la película y disco sobre el jazz latino, "Calle 54", de Fernando Trueba y su reciente "Everything i Love", un brillante recorrido musical de trece baladas de amor, en el que vuelve a reunir a dos secciones rítmicas excepcionales: Marc Johnson y Jack DeJohnette, Christian McBride y Carl Allen, con composiciones propias y de clásicos como Porter, Berlin o Gershwin.
Si quieres indagar mas sobre esta artista y la musica del Brasil pincha AQUI
GRACIAS JAZZY


Eliane Elias – Dreamer  ( 2004 )


Tracks :


 1-Call Me
 2-Baubles, Bangles And Beads
 3-Photograph
 4-Movin’ Me On
 5-So Nice
 6-That’s All
 7-Tangerine
 8-Dreamer
 9-Time Alone
10-Doralice
11-A House is Not a Home



Personnel: Eliane Elias (vocals, piano); Oscar Castro-Neves, Guilherme Monteiro (guitar); Michael Brecker (tenor saxophone); Michael Mainieri, Jr. (vibraphone); Marc Johnson (bass guitar); Paulinho Braga (drums).


ELIANE ELIAS







Eliane Elias - Call me





Eliane Elias - Fotografia







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AC / DC - SHE'S GOT BALLS ( 1979)

AC/DC es una banda de Hard Rock formada en Sydney (Australia) en 1973 por los hermanos escoceses Malcolm y Angus Young.
Su primer concierto se llevó a cabo la noche de fin de año de 1973, coincidiendo con el lanzamiento de su sencillo Can I Sit Next to You Girl, cuyo cantante era Dave Evans.
Desde el principio se hicieron famosas sus actuaciones en directo, gracias en parte al extravagante estilo de su guitarrista principal, Angus Young, generalmente vestido con uniforme de colegial en los conciertos. En 1976, coincidiendo con el lanzamiento del disco Dirty Deeds Done Dirt Cheap, se trasladaron a Gran Bretaña, de donde procedían los hermanos Young, concretamente de ascendencia Escocesa, e inmediatamente ocuparon los primeros puestos de ventas con discos como Let There Be Rock (1977) y Powerage (1978), a los que siguieron If You Want Blood You've Got It (1978) y el disco Highway to Hell (1979), del que se vendieron millones de copias. El 19 de febrero de 1980, el vocalista Bon Scott falleció por intoxicación etílica en el asiento trasero del coche de su amigo Alistair Kinnear y fue sustituido por Brian Johnson, quien pertenecía al grupo Geordie.
Aunque llegaron a Gran Bretaña en pleno auge del punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del público. El álbum Back in Black (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y los catapultó a Estados Unidos. En la segunda mitad de la década de 1980, una serie de acontecimientos personales hicieron creer que el grupo ya había pasado sus mejores momentos, aunque sus discos se mantuvieron en las listas de éxitos hasta la década de 1990. En 1993, el sencillo “Big Gun”, que utilizaron para la banda sonora de la película El último gran héroe, de John McTiernan e interpretada por Arnold Schwarzenegger; alcanzó de nuevo las listas de los más vendidos en Gran Bretaña. En 1995, grabaron el disco Ballbreaker,en el 2000 lanzaron Stiff Upper Lip, en el que proclaman su fidelidad al rock más rebelde, y en el 2008 lanzaron Black Ice.
Han vendido más de 180 millones de álbumes en todo el mundo, y de ellos 71 millones han sido vendidos en los Estados Unidos. Back in Black ha vendido aproximadamente 42 millones de unidades en el mundo y 22 millones solo Estados Unidos, De manera que es el 5º álbum de mayor venta de todos los tiempos en los EE. UU. y entre los álbumes más vendidos de toda la historia detrás de Thriller en el mundo. Han llegado a ocupar el cuarto puesto en la lista de VH1 "100 Greatest Artists of Hard Rock" (Los 100 mejores artistas de Hard Rock) y ocuparon el 7º puesto en la lista de MTV "Greatest Heavy Metal Band Of All Time" (Las mejores bandas de Heavy Metal de todos los tiempos).Además la canción "Back In Black" se ubicó en el segundo puesto en el programa "Las 100 más Grandiosas Canciones del Hard Rock", del canal VH1. Además la revista Q magazine les colocó en el primer lugar en su lista: "Los 50 grupos que debes ver antes de morir"



AC/DC: She's Got Balls '79 ( Live)


Tracks :


01. Live Wire
02. Shot Down In Flames
03. Hell Aint A Bad Place To Be
04. Sin City
05. Problem Child
06. Bad Boy Boogie
07. The Jack
08. Highway To Hell
09. High Voltage
10. Whole Lotta Rosie
11. Rocker/Guitar Solo
12. If You Want Blood (You Got It)
13. Get It Hot *
14. Dirty Eyes *


Recorded live in Towson, Maryland, USA - October 16, 1979.


AC / DC



AC/DC - Whole Lotta Rosie




Ac/Dc - Shot Down In Flames







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MEL BROWN - HOMEWRECKIN DONE LIVE ( 2001)

Mel Brown. Una leyenda del blues nacido en Jackson,  Mississipi, como no podía ser de otra manera ,a los 14 años recibe su primera guitarra, una Gibson Les Paul con la que inicia seriamente sus estudios musicales y con la que comienza a andar el camino profesional que lo lleva en 1958 a Los Angeles, donde integra la Otis´ Band haciendo giras y trabajos de estudio durante 2 años.
En 1960 ya está situado en el mundo del blues , cambia la Les Paul por una Gibson ES-175 y lo   encontramos integrando diversas bandas,  incluso acompañando a Etta James o Sam Cooke. En 1967 graba su primer álbum “Chicken Fat”, hoy un clásico entre los aficionados al blues

Su actividad es intensa ,graba para sellos como Impulse, Bluesway, Antone’s, y en años recientes para Electro-Fi.Es invitado a grabar junto a T-Bone Walker, B.B. King, Bobby “Blue” Bland, Albert Collins, Stevie Ray Vaughan, Lightnin’ Hopkins, John Lee Hooker, Snooky Pryor, Jimmy McGriff, James Cotton, Doug Sahm, Earl Hooker, Charles Brown y aún quedan algunas estrellas en la lista.

En 1990 se radica en Kitchener, (Canadá) país en el que cuya presencia aporta una sólida base de crecimiento para el blues local. Aquí forma su nueva banda, la Homewreckers, que valga éste disco que aquí publico, su única grabación en vivo registrada en 2001, como muestra de la excelencia de Mel Brown y sus acompañantes. 

El 20 de marzo de 2009, Mel Brown fallecía en el hospital de St Mary dónde fue hospitalizado por problemas respiratorios. Esa misma noche estaba programada su presencia para realizar la apertura del show de Mavis Staples.

 Mel Brown - Homewreckin Done Live (2001)

 Tracks :

 1 -Woke Up This Morning (4:23) 

 2-Fannie Mae (4:56) 

 3-The Sky Is Crying (8:27) 

 4-I'm Your Hootchie Kootchie Man (5:16) 

 5-I'll Play The Blues For You (5:53) 

 6-Billy Jean (3:34) 

 7-Honeybee (3:40) 

 8-Spoonful (7:51) 

 9-Hey Joe (12:10) 

10-Turn On Your Love Lights (7:04)

Recorded live at Wally's Pub, Ontario, Canada

Personnel: Mel Brown (vocals, guitar); John Lee (vocals, keyboards); David Wiffin (saxophone); Al Richardson (bass); Jim Boudreau, Randy Coryell (drums).

MEL BROWN

Mel Brown - 1990 - I'm Gonna Move To The Outskirts Of Town




Mel Brown - Crosstown







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LUTHER JAZZ CLUB : SARAH VAUGHAN & HER TRIO - AT MISTER KELLY'S ( 1957 )

Que tal amigos ,buenas noches y una ves mas gracias por acompañarnos en el club hoy viernes en que presentaremos a una de las mas grandes divas que haya existido y que complementa el famoso triunvirato con  Billie Holiday  y Ella Fitzgerald a la hora de entonar esta maravillosa musica ; nos referimos a Sarah Vaughan en un directo del año 57 en un club de Chicago .
Sin mas que agregar la invitacion esta hecha ,ocupen sus mesas ,ordenen sus tragos y disfruten de una velada extraordinaria amigos y amigas .
Un abrazo a todos !

 Nacida de un carpintero guitarrista aficionado al blues, y de madre lavandera pero pianista y organista en la Iglesia, la cantante Sarah Vaughan estaba destinada desde pequeña a inclinarse por la música, integrándose en la Iglesia Baptista del Monte-Sión como organista, pianista y miembro del coro. En 1943 su vida tomó contacto con el jazz cuando ganó el concurso anual del Apollo Teathre de Harlem para cantantes noveles. Ella Fitzgerald, que había ganado ese mismo concurso la década anterior, le animó y fue presentada al cantante Billy Eckstine, quién a su vez la recomendó a su jefe de orquesta, el pianista, Earl Hines.
 Contratada con apenas diecinueve años por Earl Hines como cantante y segunda pianista de la orquesta, tuvo la inmensa fortuna de que por aquella formación pasaran los jóvenes músicos de New York que estaban cambiando el jazz con el sonido nuevo conocido como bebop: Charlie Parker y Dizzy Gillespie. La huelga de grabaciones decretada por la Federación Americana de Músicos, impidió que ese periodo primitivo de Sarah al frente de la orquesta de Hines, y posteriormente con la orquesta de Billy Eckstine no fuese grabado. La única excepción es el tema grabado en diciembre de 1944 titulado: "I'LL Wait And Pray". Con una formación adquirida en los círculos "boopers", Dizzy Gillespie la introdujo en los estudios de grabación de pequeñas casa discográficas independientes: primero fue una sesion para Continental organizada por el critico, Leonard Feather en diciembre de 1944, poco después, en mayo de 1945, interpreta junto al quinteto de Parker y Gillespie, una versión de "Lover Man" para la casa "Guild". En 1946, un contrato para Musicraft supone su espaldarazo definitivo y posibilita su expresión artística en distintos contextos: canta desde acompañante de grupos swing dirigidos por el pianista, Teddy Wilson y el violinista, Stuff Smith, a orquestas de cuerda o con el pianista Bud Powell, el baterista, Kenny Clarke y otros boopers en una magnifica sesion.
 Extraordinariamente apreciada en los círculos del jazz moderno, se casó con el trompetista George Treadwell y en 1947, obtuvo su primer gran éxito de ventas con "Its Magic". En 1949, cuando firmó contrato con el poderoso sello Columbia, obtuvo el primer puesto de las grandes revistas especializadas en jazz en la categoría de cantantes. La década de los cincuenta fue su mejor época como cantante. Afortunadamente supo reprimir los intentos de su casa discográfica para convertirla en una especie de estrella moderna de la canción y su aparición al frente de un octeto con Miles Davis en 1950 cantando una excelente versión de "Mean to Me" la consagró definitivamente como una gran cantante de jazz. Se prodigaron sus actuaciones en el Carnegie Hall, realizó su primera gira europea en 1951 con un éxito absoluto y todavía el éxito fue mayor en la posterior de 1954. Insatisfecha con su contrato en Columbia ya pesar de sus extraordinaria ganancias económicas, Sarah abandono en 1953, a la terminación del contrato, su relación con el poderoso sello y buscó una discográfica mas acorde con sus planteamientos musicales.
 En 1954 fichó por el sello Mercury, donde estuvo hasta 1959, y posteriormente, en la ultima fase de su carrera, fue contratada desde 1963 hasta 1967 por el sello Roulette. En ambos, Sarah Vaughan dejó su mejor legado discográfico. Para la filial de Mercury, "Emarcy", Sarah Vaughan grabó entre 1954 y 1959, en directo o en estudio y con su fabuloso y regular trío: el pianista, Jimmy Jones, el contrabajista, Joe Benjamín y el baterista, Roy Haynes, una serie de discos extraordinarios y al menos una obra maestra absoluta con la colaboración del trompetista, Clifford Brown: El álbum titulado: "Sarah Vaughan" (Emarcy, 1954). Un breve periodo fuera de Mercury, fue aprovechado por la cantante para firmar por el sello Reprise, a principios de los sesenta. Su vuelta a la casa Mercury, no fue tan fructífera como el periodo anterior, y frente a fantantiscas grabaciones como la acaecida en 1963 en directo desde el Tivoli Garden en Copenhague, se encuentran intrascendentes versiones de Los Beattles o de la canción pop.
 En 1967 su retirada de los estudios se vio compensada por la intervención en numerosos programas televisivos, principales festivales, teatros y clubes. En 1971, firma por el sello Mainstrean con quien estuvo hasta 1974, dejando en sus arcas un extraordinario concierto en Japón. En 1978, el productor Norman Granz la incorporó a su elenco de artistas y a su sello Pablo, donde permaneció hasta 1982 dejando tambien algunos discos extraordinarios como el dedicado a la música de Duke Ellington. En 1982 colaboró con Michael Wilson Thomas y varias orquestas filarmónicas interpretando el repertorio de Gershwin, obteniendo un premio Grammy por la grabación que la CBS efectuó en su concierto de Los Ángeles. En 1989, grababa un dueto con Ella Fitzgerald sobre "Birdland" bajo la dirección de Quincy Jones, pero el tabaco había empezado a quebrantar su salud y murió, victima de un cáncer de pulmón en abril del siguiente año.

Fuente




Sarah Vaughan & Her Trio - At Mister Kelly's ( 1957 )


Tracks :


01 - September in the Rain
02 - Willow Weep for Me
03 - Just One of Those Things
04 - Be Anything (But Be Mine)
05 - Thou Swell
06 - Stairway to the Stars
07 - Honeysuckle Rose
08 - Just a Gigolo
09 - How High the Moon
10 - Dream
11 - I'm Gonna Sit Right Down (And Write Myself a Letter)
12 - It's Got to Be Love
13 - Alone
14 - If This Isn't Love
15 - Embraceable You
16 - Lucky in Love
17 - Dancing in the Dark
18 - Poor Butterfly
19 - Sometimes I'm Happy
20 - I Cover the Waterfront


Line up :



Sarah Vaughan - vocal
Jimmy Jones - piano
Richard Davis - bass
Roy Haynes - drums


Este disco es una grabación en directo de la "Divina" Sarah Vaughan, acompañada de su trío, en un local de Chicago llamado Mister Kelly's, es el resultado de una serie de actuaciones que comprendieron los días 6, 7 y 8 de agosto de 1957. El disco da comienzo con una voz masculina que se encarga de preparar a los espectadores, explica por qué hay tantos micrófonos en el escenario y les aconseja cómo deben actuar ante una grabación en directo, van a ser grabados, por lo que han de comportarse con naturalidad; instantes más tarde Sarah Vaughan es presentada y casi podemos verla aparecer en el escenario. El poder evocador de este disco es tal que durante más de una hora sentiremos que somos nosotros los que estamos tomando una copa en el Mister Kelly's disfrutando de la actuación de la "Divina", casi podemos respirar el ambiente cargado de humo y sufrir los rigores del caluroso mes de agosto en Chicago


SARAH VAUGHAN






Sarah Vaughan - My funny Valentine




Sarah Vaughan - Misty




Sarah Vaughan - Round Midnight







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RICK DERRINGER - LIVE IN CLEVELAND ( 1976 )

El joven genio de la guitarra, vocalista y showman Rick Derringer tenía solo 16 años cuando su banda “The McCoys" grabó su primer nº1 “Hang On Sloopy” en el verano de 1965, desbancando a “Yesterday” de los Beatles de la cabeza de las listas de ventas.
The McCoys disfrutó de 4 años de éxitos de giras, posteriormente Rick unió su talento con Johnny Winter en 1969 formando “Johnny Winter And” (“And” referido a The McCoys).
Rick fue el único productor de todos los discos que se convirtieron en Disco de Oro y de Platino de los hermanos Winter.  En 1971 Rick tocó en 3 discos, “Johnny Winter And”, “Johnny Winter And-Live” i “Edgar Winter’s White Trash”. En el disco “And” figuró la primera versión del gran hit de Derringer “Rock and Roll Hoochie Koo”, tema que también fue editado en single. Posteriormente fue elegido otra vez para figurar en “And – Live”.  Eventualmente, el siempre solicitado Derringer se unió a los White Trash de Edgar Winter de forma completa y produjo el que se convertiría en disco de Oro “Roadwork”. En 1973 Derringer produjo “All American Boy” con la ya conocida versión de “Rock and Roll Hoochie Koo”, que obviamente también salió como simple .

Rick fue escritor y productor del disco de Johnny Winter “Still Alive and Well” y fue músico integrante de la banda y productor del álbum “They Only Come Out At Night”. En éste último figuraron los hits nominado a Grammy y n?1 en las listas “Frankenstein” y “Free Ride”
Madam X. En 1976 Rick creó The Derringer Band. Realizó 4 discos y en 1983 volvió a su carrera en solitario con el disco “Good Dirty Fun”. Durante los 70 y los 80 el popular Derringer apareció en numerosos discos con artistas como Alice Cooper, Richie Havens, Todd Rundgren y Steely Dan. La lista también incluye Cyndi Lauper, Barbara Streisand, Kiss, Mason Ruffner .
En los 90 Rick fue elegido para ser productor/ escritor/ y músico del los discos de la World Wrestling Federation. El tema de Hulk Hogan, “I Am a Real American” fue escrito y tocado por Rick como parte de éste proyecto.
Derringer se volvió a unir a Edgar Winter y en 1990 formó parte de la banda que grabó para el disco “Edgar Winter and Rick Derringer Live in Japan”. Posteriormente en 1999 Rick y Edgar volvieron a juntarse para su colaboracion en el CD  "Winter Blues"



Derringer también grabó 4 CDs de Blues empezando en el 93 con “Back To The Blues”, seguido de “Electra Blues”, “Blues de Luxe” y  “Jackhammer Blues” del año 2000
En el mismo periodo aproximadamente, Derringer, el cual parecía estar en constante movimiento, realizó lo que se convertiría en un clásico “Tend the Fire” en Europa dónde recibió unas muy buenas críticas y recibió una gran acogida en USA.
Én 2001 fue un año muy atareado para Rick. Su incursión otra vez en el mundo del Rock and Roll con las super estrellas Vanilla Fudge Carmine Appice y Tim Bogert produjo un disco de intensas sinergias – “DBA” (por Derringer, Bogert y Appice) en el que compartieron la composición, la instrumentación y el canto a partes iguales entre los 3.
El siguiente proyecto fue un verdadero trabajo desde el alma y el corazón de Rick con su esposa Brenda. Titulado “Aiming 4 Heaven”, volcaron su devoción por Dios y la pusieron en un tema con ayuda de sus hijos Lory y Martin.
Esto nos deja en el Invierno del 2002, dónde las incursiones de Rick en un ámbito música totalmente nuevo – Smooth Jazz. Los intereses Free Ride de Rick Derringer han crecido rápidamente en la radio, y demuestra que el Sr. Derringer está como en su casa en éste formato. Puede parecer un tópico, pero como él mismo cuenta es el tipo de música que siempre estuvo esperando hacer toda su vida. Su esposa Brenda es co-escritora y figura en 3 nuevos temas y es arreglista y cantante en el tema que da titulo al disco

Rick Derringer - Live in Cleveland (1976)

Tracks :


1. Let Me In
2. Teenage Love Affair
3. Sailor
4. Beyond The Universe
5. Rock And Roll Hootchie Koo
6. Roll With Me
7. Rebel Rebel


Line-up:

Rick Derringer - bass, vocals, guitar
Kenny Aaronson - bass
Vinny Appice - drums
Danny Johnson - guitar


RICK DERRINGER






Rick Derringer, Easy Action ( 1982 )




rue" width="445" height="Rick Derringer - Still Alive And Well (live) 2006




Rick Derringer - (Live) Rock and Roll Hoochie Coo - 2009






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LUTHER JOHNSON - BORN IN GEORGIA ( 1972 )

Luther Johnson (1934-1976), conocido también como Snake y Georgia Boy, es uno de los guitarristas prematuramente desaparecido y perteneciente a la generación que comenzó a destacarse en la década del 50. También colaboró con destacados instrumentistas, entre otros, Elmore James y Muddy Waters, durante su paso por la meca del blues moderno, Chicago. Este disco editado en el año 1975, perteneciente a la serie House Of The Blues, ofrece un repertorio de estándares de blues de la autoría de T-Bone Walker, Muddy Waters, Slim y John Lee Hooker, así como la tradicional Walking Blues, mientras que la otra mitad de las 10 canciones pertenece al propio Luther Johnson, quien atacaba igual el blues más acelerado como el de esencia rural, lo cual se puede comprobar en las composiciones de este elepé que tocó con Johnny Shines. Grabado en Suiza en el año 1972, durante una de las giras habituales de Johnson por el viejo continente, Born In Georgia constituye el legado de un malogrado bluesman que destacó por su sentimiento a la hora de interpretar, lo cual le coloca en un significativo lugar dentro de la generación de guitarristas de los años cincuenta

Lucius Brinson Johnson; nacido en Georgia concretamente en Davidsboro el 30 de agosto del año 1934,y practicamente olvidado en la actualidad(mas conocido es su homonimo Luther Johnson jr). este gran guitarrista cantante y compositor en definitiva podriamos definirle como "un bluesman de chicago, diferente"al que Muddy Waters fichara para la primera decada en su banda a finales de los 60's.
Tambien acompaño entre otros a Otis Spann colaborando en varios discos;bastante diestro y acertado con la guitarra emprenderia con los años diversas giras por europa ya como solista.
Grabaciones como "born in georgia"o"lonesome in my bedroom" para el sello discografico Black&Blue serian parte del legado musical destacado. Este genial y conmovedor guitarrista falleceria en Illinois(Chicago)el 18 de marzo del año 1976.



 Luther Johnson - Born in Georgia  ( 1972 )


 Tracks :

 1- Born in Georgia
 2- Rock me baby
 3- Woman don't lie
 4- Bright light big city
 5- Take enough of him
 6- You told me you love me
 7- Am I wrong for loving you
 8- Walkin' blues
 9- My daddy told me
 10-Crawlin' king snake
 11-Please give me that love
 12-Hoochie coochie man
 13-Every day I have the blues
 14-Somebody loan me dime
 15-Rock'n roll everyday


LUTHER JOHNSON






Luther Johnson - Born in Georgia.




Luther Johnson - Rock me Baby.






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LUTHER JAZZ CLUB : MEL TORME and RAY ANTHONY BIG BAND LIVE ( 1993 )

Que tal amigos ,seguimos los viernes hasta nuevo aviso  ,nos queda mas comodo a nosotros y lo mantenemos abierto todo el fin de semana sin descanzo jejeje.
Pasen cuando quieran y les sienta comodo ,sus lugares los espera ,como asi tambien la buena musica y los tragos infaltables .Hoy les traemos a un cantante que tubo una gran particularidad ;la mayor parte de su carrera la transito en bares de hoteles al estilo de "Los Fabulosos Baker Boys "o en clubs ,estamos hablando de nada mas y nada menos que del señor Mel Torme .Un grande "que canta con el alma de un negro siendo blanco " un especialista del scat y tambien niño prodigio del celuloide .
Que disfruten la velada ,yo los acompaño con un escoces en las rocas para amainar el frio invernal de Buenos Aires ,mientras esperamos la nieva que no llega .
Un abrazo a todos my friends

El cantante, Mel Tormé, perteneció a esa saga de niños prodigios muy propios de la cultura norteamericana. Con apenas tres años de edad, ya cantaba con la orquesta de Coon Sanders, popularísima a finales de los años veinte. Aconsejado por sus maestros y dadas sus dotes técnicas, estudió varios instrumentos, entre ellos el piano y la batería. En 1942, después de estrenarse como compositor con el tema: "Lament to Love", es contratado en la orquesta de Chico Marx cuyo representante era Ben Pollack y con la que realizó una larga gira por los Estados Unidos.
Con la orquesta se trasladó a Hollywood y poco después fundó un quinteto vocal extraordinario al que llamó "The Mel-Tones" del que pasó a ser director y arreglista al poco tiempo. El quinteto obtuvo un éxito inmediato y fueron varios los discos grabados y las películas realizadas. Fue muy destacable su versión de "What Is This Thing Called Love". Disuelto el grupo vocal en 1946, Mel Tormé enfocó su carrera en solitario pero su debut en New York al año siguiente fue todo un fracaso de critica. En 1948 firma por el sello Capitol y a partir de entonces, su carrera se orienta claramente hacia el jazz. A mediados de los años cincuenta, Tormé logró realizar su sueño musical, cuando llevó a feliz termino su viejo proyecto de recrear el sonido del Noneto Cool de Miles Davis y Gil Evans, insertando su propia voz.
Con una personalidad propia y propietario de un sonido peculiar, pronto llegaron los grandes éxitos discográficos que auparon al cantante a la primera línea del jazz vocal de la época y uno de los mejores ejemplos del sonido cool en la canción jazzistica. En 1956, graba para Atlantic su primer gran éxito: "Lulu's Back in Town" con una pléyade de grandes instrumentistas bajo la magnifica dirección en los arreglos y el piano de Marty Paich. Dos años mas tarde graba su primer disco para el sello Verve (Tormé, 1958) y el éxito vuelve a ser extraordinario, esta vez con Frank Rosolino al trombón y nuevamente Marty Paich conduciendo la orquesta. Mel Tormé, encontró la formula para hacer de su canto una continuada demostración de su apego jazzistico y en 1960, y también para el sello Verve, graba una de sus obras maestras con el disco "Swings Shubert Alleys". Aquí los músicos se repiten, y también el autor de los arreglos, pero Tormé introduce en la sección de saxos al gran Art Pepper y a Red Callender en la tuba .

     A partir de los años sesenta su nivel artístico era incontestable y amplió su campo de acción a la publicación de artículos, libros y comentarios sobre el jazz vocal. Mel Tormé era un artista consumado, tanto en los tiempos rápidos como en las baladas, y todavía hoy es recordado como una de las grandes voces del jazz. Cuando el rock llegó en la década de 1950, el éxito comercial se hizo elusivo. Durante las siguientes dos décadas, Tormé a menudo grababa arreglos mediocres de las melodías pop del momento, sin trabajar específicamente para sello alguno. A veces tuvo que ganarse la vida actuando en clubes. Tuvo dos éxitos menores, su grabación de 1956 de "Mountain Greenery," y su tema de R & B de 1962 "Comin' Home, Baby," arreglado por claus Ogerman. La segunda de las grabaciones hizo que la cantante de jazz y gospel Ethel Waters dijera que "Tormé es el único blanco que canta con el alma de un negro."



Mel Tormé, Ray Anthony & His Big Band
Live At The Playboy Jazz Festival

Tracks :

1- Opus One
2- I Has The Craziest Dream/Darn That Dream
3- I'm Gonna Go Fishin'
4- Sophisticated Lady/I Didn't Know About You
5-  It Don't Mean A Thing (If It Ain't Got That Swing)
6- Medley  : (Stompin' At The Savoy/Don't Be That Way/And The Angels Sing/Why Don't You Do Right/Avalon/Sing Sing Sing)

Personnel:

 Mel Torme (vocals); John Colianni (piano); John Leitham (bass); Ray Anthony Big Band.

 Recorded live at the Playboy Jazz Festival, Hollywood Bowl, Los Angeles, California in June 1993. Includes liner notes by Hugh Hefner.


MEL TORME






Mel Torme - When The World Was Young ( by George Shearing )




Mel Torme - A Nightingale Sang In Berkeley Square ( by John Colianni )




Mel Torme Trio - Day In, Day Out




LA YAPA : Ella Fitzgerald  &  Mel Torme

Demostrando como una entrega de premios puede ser verdaderamente agradable !








No te olvides de reportar los links caidos y borrados en comentarios que sin ninguna molestia de nuestra parte lo resubiremos a la brevedad.

BIG BILL MORGANFIELD - BELLINZONA PIAZZA BLUES FESTIVAL ( 2005)

Es el sueño de cualquier padre, que su hijo siga sus pasos. McKinley Morganfield, es el que mejor conoce a Muddy Waters, y opina lo mismo que él, que es triste que los jóvenes afro-americanos no se preocupen por su música. Si Muddy levantara la cabeza podría estar orgulloso de que al menos un afro-americano si se preocupó por su música, su propio hijo.
Estando en posesión de un talento musical impreso en su ADN, Bill tiene la voz, el talento y la capacidad compositiva para ser uno de los más grandes bluesman de la historia.
Nacido en Chicago en 1956, Bill Morganfield fue criado por su abuela en el sur de Florida. El legado de su padre es vivir un arte. Big Bill nació con la estrella de Muddy, y este fue su maestro, ayudándole en sus más tempranas composiciones. Pero aún más importante que esto es el hecho de que Bill ha heredado el amor y el espíritu que tenía su padre por el blues, y como el bien dice, siente que está con su padre a la hora de tocar en un escenario.
La primera banda de blues que formo no llegó más allá de los tres meses de vida, principalmente porque no se encontraba satisfecho con el sonido. Para mejorar decidió tocar la guitarra hasta que el se encontrase a gusto consigo mismo y con su nivel. Se encerró en su habitación y volcó todas sus energías en tocar la guitarra y es cuando broto su talento.
En un primer momento, alterno su vida de maestro con el aprendizaje del blues tradicional. Llego a pasar horas y horas estudiando metodologías, tocando y reconstruyendo canciones. Inmerso en este titánico trabajo, Bill aprendió el arte de componer. De esta manera llega a tener unos conocimientos más que envidiables y formar su primer grupo.
Rápidamente es conocido en los círculos de blues y participa en diferentes festivales y eventos en todo EE.UU., Canada y Europa. Participa en el Tribute to Muddy Waters y fascina a la audiencia con su actuación.
Big Bill vuelve a Chicago, donde su padre se convirtió en clásico, y graba su álbum debut “Rising Son”. El álbum es producido y realizado por el músico intimo de Muddy, Bob Margolin, que también toca en el disco. Los otros tres miembros de la banda formaron parte de Muddy Waters Blues Band, Willie "Big Eyes" Smith a las baquetas, Paul Oscher en la armónica y Pinetop Perkins a las teclas. Todo se completa con el legendario bluesmaster Stroger en el bajo.

Big Bill Morganfield - Bellinzona Piazza Blues Festival 2005

Tracks :


1. Band's Intro
2. Dead Ass Broke
3. Baby Lee
4. Same Old Thing
5. Don't Go No Farther
6. High Heel Sneakers
7. Hoochie Coochie Girl
8. Anything Just For You
9. My Love Is Real
10. Mannish Boy
11. Blow Wind Blow
12. Band's Outro

Line up :


Big Bill Morganfield- Guitar & Vocals
Brian Bisesi- Guitar
Ted Walters- Bass
Kenny Smith- Drums

Special Guests:
Bob Margolin- Guitar & Vocals (10-12)
Willie 'Big Eyes' Smith- Harmonica & Vocals (10-12)


BIG BILL MORGANFIELD






Big Bill Morganfield - "She's Nineteen Years Old




Big Bill Morganfield - Mannish Boy




Big Bill Morganfield & Mud Morganfield - The Sons of Muddy Water Reunion






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THE ALLMAN BROTHER' S BAND - EAT A PEACH ( 1972 )

Dedicado a mi amigo Pedro de BLOGSADA


Lanzado en 1972, "Eat a peach" supone un homenaje a Duane Allman, fallecido poco antes de la publicación del disco en un desgraciado accidente de moto. Es el fin de una gran primera etapa musical y el principio de una cierta dispersión de ideas, que tras la publicación de los míticos conciertos celebrados en el Fillmore East y la muerte prematura del líder del grupo, suponía un reto continuar con la aventura musical.
Pero no todo iba a ir mal. Los Allman Brothers demuestran una asombrosa recuperación con este increíble disco, donde la habilidad en la guitarra de Dickey Betts comienza a sobresalir de manera prominente.

El disco incluye nueve temas divididos en tres partes. Por un lado, tenemos las tres ultimas joyas grabadas por Duane en el estudio ("Stand back", "Blue sky" y "Little Martha".
Por otro lado, dos maravillas compuestas por el hermano superviviente ("Melissa" y "Ain´t wastin´no more" y otra de estudio firmada por los componentes del grupo original ("Les brers in A minor".

Y por último, tres canciones en directo que demuestran la calidad del grupo sobre el escenario ( la media hora de "Mountain jam" es apoteósica).
”Eat a peach” es un disco altamente recomendable tanto por su contenido histórico como por la calidad de las canciones grabadas en estudio y la espectacularidad del directo. ¿Alguien puede pedir tanto en tan poco?
El rock sureño se dice que tiene orígenes en los años 50 con artistas de la talla de Elvis Presley o Jerry Lee Lewis. Eran amantes del rock con raíces de blues, pero con la psicodelia y el resurgimiento del folk su sonido se fue apagando. Con el paso de los años, algunos grupos quisieron recuperar esos sonidos que se estaban perdiendo, pero la mayoría pasaron sin pena ni gloria.

Sería a finales de los años sesenta cuando los hermanos Duane Allman y Greg Allman, formando The Allman Brothers Band, consiguieron indagar en las raíces de toda la cultura estadounidense rescatando el rock de Elvis y fusionándolo con folk, country, jazz y blues consiguieron ser pioneros en un sonido que llevaría nombre propio, el rock sureño.
Pero como muchas veces ha pasado en la historia del rock, la carrera de un grupo que estaba destinado a ser tan populares en Estados Unidos como lo fueron Led Zeppelin en Inglaterra se vió truncada por la muerte de Duane Allman en 1971.
El último trabajo que recogió su esencia fue el póstumo “Eat a Peach” de 1972, en el que se recogían canciones tocadas en directo antes de la muerte de Duane, así como cinco temas más entre los que se encontraba una nueva grabación de “Melissa”, un tema que había acompañado a The Allman Brothers Band durante toda su carrera.  El tema había sido grabado por primera vez en 1968 por The 31st of February, un grupo del que formaron parte los hermanos Allman, y siempre fue uno de los temas compuestos por Gregg que más le gustó a Duane. Quizá esa es la razón para que Gregg tocase “Melissa” en su funeral y la regrabaran para “Eat a Peach”, que supondría el homenaje del grupo a Duane.
La canción, con una guitarra rítmica perfectamente reconocible, la voz de Gregg cargada de melancolía y una guitarra solista que parece llorar, se alza como una de las canciónes más melancólicas de la discografía de The Allman Brothers Band. Y su letra, no hace más que intensificar este sentimiento.
Un tema que posíblemente esté dedicado a Robert Johnson y su guitarra “Melissa”, de quién se dice que vendió su alma al diablo en un cruce de carreteras, y más tarde murió en otro cruce de carreteras. Sea como fuere, una canción desgarradora que muestra la grandeza de The Allman Brothers.

Si quieres conocer aun mas sobre esta gloriosa banda visita AQUI  ,que seguramente lo disfrutaras



 The Allman Brothers Band - Eat a peach (1972)


 Tracks :


1. Ain't Wastin' Time No More
2. Les Brers in A Minor
3. Melissa
4. Mountain Jam [live]
5. One Way Out [live]
6. Trouble No More [live]
7. Stand Back
8. Blue Sky
9. Little Martha


THE ALLMAN BROTHER' S BAND






The Allman Brothers Band - Blue Sky (Live)




The Allman Brothers Band - Melissa (Live)




The Allman Brothers Band - One Way Out (Live)





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LUTHER JAZZ CLUB : CASANDRA WILSON - SINGS STANDARS ( 2002 )

Que tal amigos ,despues de una ausencia imprevista para mi , retomo este espacio para encontrarme con ustedes que son lo que hacen que esto siga su marcha  ,gracias  a sus aportes y hermosos comentarios .
Son una compañia absolutamente valorable  .
Despues del mal trago mundialista  por parte de la Argentina ,decir que espero que la final del domingo sea digna de coronar al mejor como se debe y ademas recalcar que tengo mi simpatia por una escuadra (que por cabala no la voy a mencionar ) pero si les digo que mis abuelos no nacieron en Rotherdam ,Amsterdam o La Haya se daran cuenta de quien se trata ;ole
Ademas pense que era una buena oportunidad para abrir el club y traerles una cantante que hace rato tendria que haber aterrizado por aqui .
Nos estamos refiriendo a la gran Casandra Wilson  que nos deleitara en este viernes tan atipico .
Y una ves mas agradecer a mi amigo Jazzy por el aporte y el aguante que me tiene .
Solamente amigos  me queda por decirles que las puertas estan abiertas ,pasen ,acomodensen y disfruten de los tragos y la velada .
Un abrazo a todos

La cantante estadounidense Cassandra Wilson es una de las voces más relevantes del actual panorama jazzístico. Nacida en 1955 en Jackson (Mississippi), su carrera musical se fue consolidando en New York y, tras unos años de colaboración con Steve Coleman y su M-Base Collective, publicó su primer disco en solitario en 1985. En sus inicios, Wilson se decantó por la interpretación de standards, hasta que paulatinamente ha alcanzado su "estilo" característico, una acertada fusión del jazz con elementos del blues, el country, el folk y la música pop. Es una artista reconocida y con multitud de seguidores, inconfundible por el timbre y el tono de su voz, elegante sobre el escenario, y a quien la prestigiosa revista Time eligió en 2001 como Mejor Cantante de América. Cassandra Wilson destaca entre sus principales influencias a artistas de la talla de Betty Carter o Abbey Lincoln, pero su repertorio es bastante heterogéneo e incluye canciones de músicos tan dispares como Joni Mitchell, Robert Johnson, Hank Williams o The Monkees. Además de ser una excelente vocalista, también es capaz de desenvolverse con soltura como compositora, productora o pianista, y en 2000 creó la corporación Ojah Media Group, una entidad multimedia dedicada a la documentación y promoción de la cultura y los sonidos de la región del Mississippi. Durante estos años ha conseguido muchos premios y distinciones, entre ellos dos Grammy, uno por New moon daughter (1996) como Mejor Interpretación Vocal de Jazz, y otro por Loverly (2008) como Mejor Álbum Vocal de Jazz.
Loverly, editado por Blue Note, es una atractiva colección de standards, algo que no ocurría desde la publicación en 1988 de Blue skies. Son temas clásicos del jazz y del blues, canciones familiares a las que Cassandra Wilson aporta un aire fresco, un nuevo aliento como consecuencia de una reinterpretación plena de emoción y personalidad. Según la página web especializada All About Jazz, "great songs, great singing, and a great band. Lovely indeed". A destacar en el disco la participación de un conjunto de músicos de gran talento, como el guitarrista Marvin Sewell y el pianista Jason Moran. Según palabras de la propia Wilson:
Sings Standards es una recopilación de material de cuatro discos de Cassandra Wilson editados por el sello JMT a fines de los ochenta y principios de los noventa. Sesiones de straight-ahead jazz, antes de orientarse hacia el folk, el blues y el pop. En ellos su voz suena fresca y luce un rango vocal más amplio que en su madurez, a la vez que se manifiesta su tono profundo y oscuro que más tarde potenciará. Imaginativas y diferentes interpretaciones de clásicos grabados mil veces, entre las que se destacan el tono dramático de la tremenda versión de 'Round Midnight y el "cream-dreamy modal waltz" Body And Soul. (Verve, 2002).


Cassandra Wilson - Sings Standards  ( 2002 )



1.Polka Dots And Moonbeams
2.I Wished On The Moon
3.'Round Midnight
4.Angel
5.I've Grown Accustomed To His Face
6.Chelsea Bridge
7.I'm Old Fashioned
8.Baubles, Bangles And Beads
9.Blue Skies
10.Blue In Green
11.Body And Soul



Personnel:

Cassandra Wilson: vocals
Mulgrew Miller: piano (1,5,7)
Rod Williams: piano (4,6,11)
Lonnie Plaxico: bass (1,2,5,7,9,10)
Reggie Washington: bass (4,6,11)
Mark Johnson: drums (2,3,4,6,10,11)
Terri Lyne Carrington: drums (1,7,9)
Grachan Moncur III: Trombone (2,10)
James Weidman: piano (3,8)
Kevin Bruce Harris: bass (3,8)
Jean-Paul Bourelly: guitar (10)


CASANDRA WILSON



Cassandra Wilson - 'Round Midnight




Cassandra Wilson - Quiet Nights of Quiet Stars (Corcovado)






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LUTHER JAZZ CLUB : JOE WILLIAMS - A SWINGIN NIGHT AT BIRDLAND ( 1962 )

Que tal amigos ,hoy en una noche muy especial y en particular por el mazazo recibido esta mañana en el plano futbolistico del cual no abundaremos en detalle ...
Decidimos abrir el local a pesar de las circunstancia jejeje ,por que al final la musica es de todos y bien merece disfrutarla en una noche como estas en donde hay que ahogar penas .
En esta oportunidad nos visita un gran cantante de jazz ,que nos hara las delicias en esta magnifica noche en la cual la casa invita los tragos a sus visitantes ,sin mas palabras señoras y señores con ustedes el señor Joe Williams .
Un abrazo a todos

Con apenas tres años de edad, Joe Williams se trasladó con su familia a Chicago, y a mediados de los años treinta formó su propio grupo vocal, los "Jubilee Boys". En 1937 tocó con la orquesta de Jimmie Noone, aunque el clarinetista era poco dado a utilizar en sus actuaciones a los cantantes, por lo que tuvo que dejarlo muy pronto. Con poco trabajo en el entorno del jazz, Williams, se vio obligado a cantar en la orquesta de baile de Les Hite, aunque en 1939, recobró el camino del canto jazzistico cuando colaboró puntualmente con la orquesta del saxofonista, Coleman Hawkins.
En 1941, se unió a la orquesta de Lionel Hampton, en 1943 a la de Andy Kirk y en 1944 cantó con el dúo de Gene Ammons y Bud Johnson. 1946 fue el año en que grabó sus primeros discos con la orquesta de Red Saunders para el legendario sello "Okeh". No fue hasta 1950-1951, cuando grabó las primeras sesiones de grabación a su nombre para el sello, "Emus", un disco titulado: "Everyday i Have the Blues", un álbum que recibió los elogios de toda la critica. Tras un largo paréntesis de tres años, reapareció en el seno de la orquesta del gran maestro, Count Basie, en sustitución del cantante habitual de la orquesta, Jimmy Rushing. Con la orquesta de Basie, Joe Williams, graba sus primeros éxitos, entre los que destaca, el famoso "Every Day" y "All Right",  donde es muy valorado su estilo suave y refinado, e intenso y espontáneo a la vez.
Con la orquesta de Count Basie, Joe Williams pasó seis intensos y fructíferos años, hasta que en 1961, empezó a actuar como cantante solista. Mas adelante, entró a formar parte del quinteto de Harry "Sweets" Edison, y del trío de Junior Mance. En 1957, colaboró con la orquesta de Jimmy Mundy y en 1959 con la de Jimmy Jones. Su fama y su canto le abrió las puertas de los principales festivales de jazz y de blues del mundo. En 1962, realizó una gira por Europa y a renglón seguido firmó un contrato con la RCA, que puso a su disposición las orquestas de Oliver Nelson, y de Frank Hunter. A finales de los sesenta, su trabajó derivó hacía los pequeños locales de fiesta donde ejercía de animador  de espectáculos.
Su  legado discográfico es extenso y selecto, y a lo largo de su carrera ha grabado para los sellos mas importantes, entre ellos: el citado RCA, Roulette, Blue Note, Savoy, Vanguard, Verve y Telarc, donde prácticamente estuvo hasta el día de su fallecimiento en 1999.



Joe Williams -  A Swingin' Night at Birdland - 1962


 Track listing


1. September in the Rain
2. Come Back Baby
3. 5 O'Clock in the Morning
4. By the River St. Marie
5. This Can't Be Love
6. Teach Me Tonight
7. Well O. K. Alright You Win
8. I Was Telling Her About You
9. Have You Met Miss Jones?
10. Roll 'Em Pete
11. You're Everything But Mine
12. Falling in Love With Love
13. Goin' to Chicago Blues
14. Very Thought of You, The



Personnel : Joe Williams (vocals), Harry "Sweets" Edison (trumpet), Jimmy Forrest (tenor saxophone), Hugh Lawson (piano), Ike Issacs (bass), Clarence Johnson (drums).

Recorded live at Birdland, New York City in June 1962.


JOE WILLIAMS



Joe Williams & Count Basie - Well Alright ,Okay,You Win




Joe Williams - Baby, Won't You Please Come Home




Joe Williams - Everyday I Have the Blues






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OTIS RUSH - SO MANY ROADS ( LIVE ) - 1978

Nacido el 29 de abril de 1934 en Mississipi es uno de los grandes guitarristas de la escuela de Chicago junto a otros de su tiempo como Buddy Guy o Magic Sam, el cual se tuvo que trasladar desde su Mississipi natal al citado Chicago (foco neurálgico del blues) a mediados de los años cincuenta.
La afición de Otis por la música le venía de familia: se inició con la armónica a la corta edad de siete años, para más tarde hacer lo mismo con la guitarra. A modo de anécdota decir que Otis es un zurdo atípico ya que toca la guitarra al revés pero manteniendo las cuerdas en su posición normal!!,...como Albert King!!.
Así como muchos otros bluesmen de color antes de dedicarse de lleno al blues fueron muchos y variados sus empleos: desde la plantación en la que trabajaba junto a sus padres, a empleado de una acería o de un matadero.Su debut en la música se produjo en el año 1954 cuando tocó en el club Alibi de Chicago. A partir de entonces su carrera ha sido trepidante, llegando a formar bandas junto a figuras de la talla de Willie Dixon, junto al cual grabó su sensacional "I can't quit you baby", Mighty Joe Young, Duane Allman, Jimmy Johnson, y otros muchos.
Guitarrista y cantante . Remarcable musicalidad, excelente sentido del ritmo y de la melodía, y una voz muy peculiar, además de destacar como armonicista y baterista. Otis Rush es uno de los bluesmen más sobresalientes del panorama musical de los últimos treinta años. Empezó a actuar bajo el seudónimo de Little Otis, en 1953 en Chicago, donde la familia había emigrado cuando él era pequeño. En 1956 grabó sus primeros discos y realizó una gira por su nativa Mississippi (que no había visitado desde su infancia), así como por Lousiana, Florida, Georgia y Texas, con actuaciones en clubs y en emisoras de radio. De regreso en Chicago, en los últimos años cincuenta su carrera remontó a lo más alto de la popularidad, con contratos suculentos y actuaciones en grandes escenarios, festivales, programas especiales de radio y televisión. En 1966 realizó una dilatada gira de conciertos por Europa, que repitió en 1978. Durante los años ochenta su discografía, casi toda ella grabada en directo, se resintió de cierta rutina, aunque demostró su dignidad acostumbrada. De estos años cabe destacar el álbum Natural Man - Live In Montreux, 1986, grabado en esas características durante su actuación en el festival francés y editado en compacto en 1994, coincidiendo con su vuelta a los estudios tras un largo período de silencio
Otis Rush, es el representante más importante de la segunda generación de bluesman de Chicago. En Double Trouble, una de sus obras maestras, se aprecian su sensibilidad urbana y la expresividad de su guitarra.
Respecto a sus trabajos, son del todo  imprescindibles dicos como "Right Place, Wrong Time", "Mourning In The Mourning" y "The Classic Cobrs Recordings". Mención especial merecen temas clásicos de la talla de "So may roads", "All your love" y otras muchas .


Otis Rush - So Many Road  - 1978 (Live)


Tracks :


1. Looking Back (Take A Look Behind)
2. All Your Love I Miss Loving
3. So Many Roads
4. Gambler's Blues
5. Three Times A Fool
6. Will My Woman Be Home Tonight (Blue Guitar)
7. Every Day I Have The Blues
8. I Can't Quit You, Baby
9. Crosscut Saw


OTIS RUSH



Otis Rush - Crosscut Saw




Otis Rush and Eric Clatpon "Double Trouble"





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